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Tra gli eventi di punta dell’autunno parigino, Picasso. Masterpieces! riunirà nel Musée Picasso di Parigi una quarantina di pezzi provenienti da musei e collezioni private di tutto il mondo, alcuni dei quali per la prima volta in assoluto nella capitale francese.

Un nuovo percorso nell’arte del gigante del Modernismo, di Pablo Picasso (Malaga, 25 ottobre 1881 – Mougins, 8 aprile 1973), dove le opere ospiti dialogano con i gioielli di casa e con una serie di preziosi materiali d’archivio – documenti di storiche esposizioni, libri, riviste, recensioni sui giornali – tracciando la storia del mito di Picasso. Per raccontare come, attraverso il tempo, gli esperimenti di un artista vulcanico siano diventati “capolavori” capaci di cambiare per sempre il senso stesso dell’attività creativa.

Tra pietre miliari e opere rare poco note al grande pubblico, le 15 sezioni della mostra si aprono su temi, motivi, spunti e fasi dell’opera picassiana. Ogni pezzo ha una storia da raccontare, dai processi che gli diedero vita agli amici, ai mercanti, ai collezionisti che ne rimasero sconcertati o che, per primi, scommisero sul suo valore. Personaggi come Paul Rosenberg, Georges Braque, André Breton, Man Ray, Dora Maar si acquattano sullo sfondo, evocando la Ville Lumière della prima metà del XX secolo.

Ad aprire significativamente l’itinerario espositivo sono le illustrazioni per Il capolavoro sconosciuto di Honoré de Balzac, realizzate per Ambroise Vollard. Come il pittore Frenhofer, protagonista del romanzo, anche Picasso per tutta la vita rincorse un ideale artistico inarrivabile, in una continua dialettica tra intenzione e realizzazione, opera e modello. Si parte dal raro dipinto Science et Charité, creato a Barcellona dal pittore ancora sedicenne, per approdare a icone come Les Demoiselles d’Avignon, Gli Arlecchini, le Bagnanti, le Donne alla toilette.

Il percorso tocca tutti i linguaggi amati da un genio decisamente poliedrico. Non solo pittura, dunque, ma anche scultura, litografia, le straordinarie scenografie per i Balletti Russi e i famosi collage cubisti, attraversando dall’accademia all’avanguardia le diverse fasi di una passione lunga una vita.

Dal 4 Settembre 2018 al 13 Gennaio 2019
Musée national Picasso, 5 rue de Thorigny – Parigi
Per informazioni: www.museepicassoparis.fr

Tradizione, cultura, innovazione e sostenibilità. Questo e molto altro è Cartasia-Lucca Biennale 2018, manifestazione tutta dedicata alla carta e al cartone giunta alla nona edizione.

Il legame con la tradizione dell’industria cartaria presente a Lucca sin dal Medioevo è forte e, a partire da questa edizione, viene rappresentato anche nel nome, che da Cartasia diventa “Lucca Biennale – Paper | Art | Design”. Del resto, la prima manifestazione al mondo dedicata alla carta non poteva non nascere e svilupparsi a Lucca, dove l’industria cartaria si è sviluppata, dalle valli scendendo poi fino alla Piana e arrivando a essere uno tra i distretti del settore più grandi al mondo. Tradizione e innovazione, quindi. E di innovazione si parla anche alla Biennale, non tanto per quelli che sono i processi di produzione della carta, ma per come questa può essere utilizzata in vari settori, dall’architettura al design, passando, ovviamente, per l’arte. Non a caso si tratta di una “Biennale”, a sottolineare la valenza artistica della kermesse che negli anni si è ritagliata una posizione autorevole a livello internazionale e vuole confermarsi uno spazio di confronto sui grandi temi dell’attualità, sulle nuove tendenze artistiche e culturali, capace di rivolgersi e coinvolgere addetti del settore, appassionati, artisti, designers, studenti o semplici curiosi.Tutto in un’ottica di sostenibilità, perché carta e cartone possono davvero andare a sostituire materiale scarsamente ecocompatibili, come la plastica.

Ovviamente, anche in questa nona edizione, non manca l’elemento “cultura”, che si rispecchia soprattutto nelle mostre: quella indoor, ospitata a Palazzo Ducale e allo storico Mercato del Carmine, che sarà anche luogo di confronti e dibattiti su presente e futuro di carta e cartone nell’architettura, e quella outdoor, marchio di fabbrica della Biennale, con le statue monumentali a trasformare il centro storico di Lucca in una galleria a cielo aperto. Sono circa 400 gli artisti che hanno partecipato ai tre concorsi per artisti, designer e architetti indetti dalla Biennale per selezionare le opere dell’edizione 2018. Le domande sono arrivate letteralmente da tutto il mondo, sottolineando l’internazionalità della manifestazione: Stati Uniti, Germania, Francia, Spagna, Gran Bretagna, Messico, Argentina, Giappone, Korea, Egitto, Cile, Ungheria, Portogallo, Russia, Indonesia, Slovacchia, Polonia, Olanda, Belgio, India, Africa, Grecia, Israele, Iran e Italia.

In questa sua nuova veste, per ogni edizione la Biennale avrà un paese ospite. Il primo sarà la Cina, terra in cui la carta è stata inventata nel I secolo d.C. Per il 2018 verrà organizzato intanto un primo focus con talk, eventi e una particolare vetrina per gli artisti cinesi, grazie alla realizzazione di un’architettura in cartone al Mercato del Carmine. In collaborazione con le università di Tongji (Shanghai) e Tsinghua (Pechino), infatti, verrà creato un vero e proprio padiglione in carta che ospiterà un’esposizione dedicata esclusivamente alla Cina.

Fino al 27 Settembre 2018
Palazzo Ducale, Cortile Carrara – Lucca
Mercato del Carmine, piazza del Carmine – Lucca
Per informazioni: www.luccabiennale.com

La mostra è viaggio straordinario che racconta la coinvolgente storia di Frida Kahlo attraverso i suoi beni personali più intimi e personali. Per la prima volta dopo oltre 50 anni dalla sua morte, oggetti provenienti dalla sua casa di Città del Messico vengono esposti fuori dal Messico esclusivamente per questa straordinaria esibizione, grazie alla quali i visitatori potranno conoscere più intimamente la vita e la storia dell’artista.

Frida Kahlo (1907 –1954) è stata una pittrice messicana. Affetta da spina bifida, fin dall’adolescenza manifestò una personalità molto forte, unita a un singolare talento artistico e a uno spirito indipendente e passionale, riluttante verso ogni convenzione sociale. Un terribile incidente all’età di 18 anni, cambiò drasticamente la sua vita (lasciandola storpia e malmessa) e la rinchiuse in una profonda solitudine che ebbe l’arte come unica finestra sul mondo. Dimessa dall’ospedale, fu costretta ad anni di riposo nel letto di casa, col busto ingessato. Questa situazione la spinse a leggere libri sul movimento comunista e a dipingere. Il suo primo lavoro fu un autoritratto, che donò al ragazzo di cui era innamorata. Il rapporto ossessivo con il suo corpo martoriato caratterizza uno degli aspetti fondamentali dei suoi dipinti; allo stesso tempo coglie l’occasione di difendere il popolo attraverso la sua arte facendovi confluire il folclore e l’humour messicano. Realizza spesso quadri di piccole dimensioni (predilige il formato 30 x 37 cm) dove si autoritrae con una colonna romana fratturata a ricordo della sua spina dorsale e circondata dalle numerose scimmie che cura come figlie nella sua casa.

Nel 1938 il poeta e saggista surrealista André Breton vide per la prima volta il suo lavoro: ne rimase talmente colpito da proporle una mostra a Parigi, allestita nel 1939. Frida Kahlo fu molto vicina alla poetica surrealista e molti elementi di Dalì sono presenti nei suoi quadri; tuttavia, nonostante l’accento posto sul dolore, sull’erotismo represso e sull’uso di figure ibride, la visione di Frida era ben lontana da quella surrealista: la sua immaginazione non era un modo per uscire dalla logica e immergersi nel subconscio, ma il prodotto della sua vita che lei cercava di rendere accessibile attraverso il simbolismo.

La mostra, organizzata dal Victoria & Albert Museum, con la collaborazione del Museo Frida Kahlo di Città del Messico, si articola attraverso un percorso espositivo di oltre 200 oggetti e modelli, provenienti in gran parte dalla Blue House, la casa in cui la Kahlo aveva vissuto con il marito Diego Rivera, alla periferia di Città del Messico. Dopo la morte della pittrice, nel 1954, Rivera rinchiuse tutte le sue cose in una stanza, riaperta solo nel 2004, rivelando un affascinante e prezioso scrigno di vestiti, trucchi, gioielli, medicine e altri beni personali della Kahlo: gli stessi reperti esposti in questa mostra, per la prima volta fuori dal Messico. Ogni capitolo della sua carriera e della sua vita personale è qui rappresentato da oggetti, tessuti, disegni, vestiti, gioielli, trucchi, schizzi, libri e lettere che raccontano la sua vita e testimoniano l’evoluzione del suo stile sempre attento al costante dialogo tra l’arte, la società e la politica. Tra i reperti più interessanti esposti, ricordiamo la protesi di una gamba, appartenuta all’artista (chiaramente provocatoria in riferimento al suo corpo martoriato) che termina con uno stivaletto con tacco di pelle rossa; un cappotto di cotone guatemalteco; una gonna in satin e una in raso con ricami a motivi floreali e holan (volant); cosmetici, rossetti, smalto per le unghie, collane, anelli e molto altro.

Fino al 4 Novembre 2018
Victoria & Albert Museum, Cromwell Road – Londra
Orario: aperta tutti i giorni dalle 10.00 alle 17.45; venerdì fino alle 22.00
Per informazioni: www.vam.ac.uk

In mostra settanta opere grafiche appartenenti a quattro serie complete realizzate da Miró tra il 1966 e il 1976. Un itinerario nella creatività poetica di questo straordinario artista, attraverso le sue creazioni fatte di forme e colori: un’alfabeto di segni risultato della sua incredibile capacità di rinnovarsi alla luce di una visione globale dell’arte, vissuta con curiosità e versatilità.

Joan Miró (Barcellona, 20 aprile 1893 – Palma di Maiorca, 25 dicembre 1983), pittore, scultore, ceramista, è stato uno degli esponenti di punta del Surrealismo il movimento artistico d’avanguardia nato negli Anni Venti del secolo scorso con l’intento di  esprimere una realtà fatta di sogno, capace di rivelare gli aspetti più profondi della mente.

Ubu Roi (1966), Le Lézard aux Plumes d’Or (1971), Maravillas con variaciones acrósticas en el jardin de Miró (1975) e Le Marteau sans maître (1976), le serie che sarà possibile ammirare e che permetteranno al visitatore di esplorare l’intima relazione che l’artista catalano ebbe con i libri d’artista e scoprire il rapporto complesso tra testo e illustrazione proprio di quegli anni.

La mostra sarà, quindi, un’occasione unica per lasciarsi incantare da inattese visioni e libertà espressive che fanno di Miró l’incomparabile Maestro del Novecento di cui è difficile non innamorarsi.

Fino al 4 Novembre 2018
Palazzo della Corgna, p.zza A. Gramsci 1 – Castiglione del Lago (PG)
Per informazioni: www.palazzodellacorgna.it

Le riflessioni sulla vita, il pensiero umanistico e l’anima, declinate attraverso raffinate scene di vita quotidiana, intensi ritratti, paesaggi e vedute suggestivi, in un continuo confronto tra Oriente e Occidente: è la grande mostra “Risonanza cinese”, la più ricca dedicata alla pittura a olio cinese mai allestita a Roma.

Oltre 150 tele dipinte da 62 artisti compongono un percorso affascinante che rivela al pubblico, tra armonie di colori ed eleganza nei tratti, il talento dei più rappresentativi maestri cinesi del ‘900: gli artisti in mostra sono stati capaci di reinterpretare la tradizione in chiave moderna e di conquistare un linguaggio dalle forme espressive nuove, comunicando sulla tela anche la loro personale visione del mondo.

La mostra documenta quanto l’evoluzione pittorica in Cina sia stata influenzata dalle correnti artistiche europee, attraverso i numerosi viaggi in Occidente degli artisti e grazie agli scambi culturali tra le Accademie d’Arte già agli inizi del XX secolo.
Ma visitando l’esposizione il pubblico potrà scoprire molto anche sulla Cina di oggi: “Risonanza cinese”, infatti, focalizza l’attenzione anche sulle riforme e i cambiamenti sociali che hanno modificato il volto del Paese negli ultimi trenta anni.
Ecco quindi che, dalla pittura, il focus si allarga a un ritratto più complessivo della Cina, una nazione che si sta trasformando con grande velocità senza dimenticare il proprio passato.

Tra gli artisti presenti, anche Zhan Jian Jun (1931), Jin Shang Yi (1934), Zhang Zu Ying (1940), Luo Zhong Li (1948) e Yang Feiyun (1954), Quan Shanshi (1930), Xu Jiang (1955) e Chao Ge (1957), tutti pittori che hanno rappresentato e celebrato nelle loro opere l’incontro tra due mondi, quello orientale e quello occidentale, che seppur lontani e differenti non sono in contrapposizione.

Fino al 9 Settembre 2018
Complesso Monumentale del Vittoriano, via di San Pietro in Carcere – Roma
Orario: tutti i giorni 9.30 – 19.30
Per informazioni: www.ilvittoriano.com

Il legame della Lazinc Gallery di Londra con Banksy è iniziato con il co-fondatore della galleria Steve Lazarides, che incontrò l’anonimo artista nel 1997 e pubblicò alcuni scatti delle sue prime opere per la rivista Sleaze Nation. Poco dopo, Steve Lazarides divenne il suo fotografo e gallerista ufficiale; insieme hanno realizzato alcune delle mostre più famose ed iconiche di Banksy come Crude Oil, Barely Legal e Turf War. Anche se la collaborazione artistica tra i due è cessata nel 2008, la Lazinc Gallery continua a supportare il mercato delle opere di Banksy (Banksy Originals and Prints), come nel caso di questa esibizione.

Banksy è un artista e writer inglese, tuttora anonimo, considerato uno dei maggiori esponenti della Street Art. Le sue opere sono spesso a sfondo satirico e riguardano argomenti come la politica, la cultura e l’etica nella società contemporanea. Sono note anche le sue attività di attivista politico e regista. La Street Art di Banksy è di natura prettamente satirica e gli epigrammi sovversivi combinano un umorismo oscuro con graffiti eseguiti con la tecnica dello stencil. Le sue opere di commento politico e sociale sono state presentate su strade, muri e ponti di città in tutto il mondo. Il lavoro di Banksy è nato dalla scena underground di Bristol, che ha coinvolto collaborazioni tra artisti e musicisti; afferma di essersi ispirato a 3D, un artista di graffiti che in seguito divenne membro fondatore del gruppo musicale inglese Massive Attack. Banksy mostra la propria arte su superfici pubblicamente visibili come muri, edifici abbandonati e saracinesche; non vende fotografie o riproduzioni dei suoi graffiti di strada, anche se molti galleristi e mercanti d’arte cercano di vendere la sua arte di strada sul posto e lasciano il problema della sua rimozione nelle mani dell’offerente vincitore.

La mostra su Banksy alla Lazinc Gallery di Londra è la prima nel Regno Unito che consente ai visitatori di ammirare i lavori dell’artista in un unico posto e non in giro per le strade della città; dalle tele realizzate con la tecnica dello stencil, ai dipinti unici, dalle stampe in edizione limitata a particolari dei murales e dei graffiti più famosi ed iconici. Una collezione unica ed esclusiva che, evidenziando e riaffermando quanto rilevanti e pungenti siano i commenti sociali e politici dell’artista anonimo nel mondo di oggi, dà agli amanti del genere la possibilità di vedere opere che forse non avevano mai creduto potessero esistere realmente. In effetti non c’è artista britannico più amato di Banksy, chiunque lui, lei o loro possano essere; ha la capacità di smuovere l’attenzione di tutte le persone, anche di quelle che non hanno il minimo interesse a visitare le gallerie; i suoi astuti commenti politici e sociali sono sempre stati in grado di trasformare argomenti molto complicati in opere semplici ed immediatamente intuibili, democratizzando il mondo dell’arte e rendendolo accessibile a tutti.

Banksy è certamente conosciuto per i suoi lavori della Street Art e per i murales: tuttavia questa esibizione rappresenta una rara possibilità di ammirare una collezione unica delle sue opere in una galleria. Tra i lavori più interessanti esposti, ricordiamo i suoi stencil, le stampe e alcune delle sue opere più famose tra cui ‘Girl with Balloon’ (La ragazza con il palloncino, 2006) e ‘Love is in the Air’ (Il lanciatore di fiori, 2003).

Le opere esposte sono in vendita, ma data l’altissima quotazione dei suoi lavori i prezzi sono aumentati notevolmente.

Fino al 25 Agosto 2018
Lazinc Sackville Gallery, 29 Sackville Street, Mayfair – Londra
Orario: dal martedì al sabato dalle 10.00 alle 18.00
Per informazioni: www.lazinc.com

L’esposizione  presenta e sviluppa una tematica centrale all’interno della vasta vita artistica di Henri Matisse: il rapporto con il teatro e la produzione di opere legate alla drammaturgia. Una mostra inedita di oltre 90 opere realizzate in un arco temporale di 35 anni, dal 1919 fino alla morte dell’artista, avvenuta nel 1954. Si tratta principalmente della cosiddetta période Nicoise: Matisse, infatti, nel 1917 scelse Nizza come luogo principale della sua creazione artistica.

Il percorso espositivo è suddiviso in quattro grandi sezioni: Costumi di scena; Matisse e le sue modelle; Le odalische; Jazz. Una selezione di opere illustra il rapporto tra l’artista e le sue modelle, “attrici” della sua arte, mentre l’esposizione di tappeti, abiti, oggetti di arte orafa, collezionati dall’artista e concessi in prestito dalla famiglia Matisse, dà conto dell’interesse di Matisse per il decorativismo di influenza orientaleggiante. Negli anni Quaranta, infine, Matisse sviluppa la tecnica dei “papiers découpés”, di cui le opere della serie “Jazz” sono la testimonianza più importante.

I capolavori – tra tele, disegni, sculture e opere grafiche – provengono dal Kunstmuseum Pablo Picasso di Münster che possiede nella sua collezione permanente anche la più ampia raccolta di opere di Matisse in Germania. Oltre al museo di Münster, figurano tra i prestatori il Musée Matisse di Nizza, i Ballets di Monte-Carlo e gli stessi eredi di Matisse, che hanno concesso in prestito oggetti della collezione privata dell’artista, come fonti di ispirazione e testimonianza dei suoi viaggi.

Henri Matisse è considerato uno dei grandi maestri dell’arte del Novecento, eclettico e sperimentatore, amico e rivale di Pablo Picasso.
Nato a Cateau-Cambrésis nel 1869, abbandona ben presto gli studi di legge e una carriera di futuro avvocato per dedicarsi alla pittura. Frequenta a Parigi l’atelier di Gustave Moreau, ma guardando alle opere di Paul Cézanne, soprattutto nel trattamento del colore, che diventerà il fine stesso della creazione dell’immagine.
Nel 1905, al Salon d’Automne di Parigi, solleva uno scandalo presentando, insieme a Marquet, de Vlaminck, Derain e Van Dongen, alcune tele dai colori puri e violenti, stesi uniformemente sulla tela.
Il critico Louis Vauxcelles conia per questi artisti il termine fauves, presto adottato dal gruppo in segno di sfida.
Del 1910 è la prima mostra importante alla galleria Bernheim-Jeune a Parigi, seguita dalle personali a Londra e a New York.
A partire dal 1919 decide di trascorrere gran parte dell’anno in Costa Azzurra, che considera un ‘paradiso’. La sua attività espositiva è in continua crescita e le sue opere incontrano un grande interesse da parte dell’intera comunità artistica.
Nel 1920 lavora alle scene e ai costumi per Le chant du rossignol, l’opera di Stravinsky rappresentata da Diaghilev con i Ballets Russes, e la coreografia di Massine.
Il decennio 1920-1930 segna un ritorno a composizioni di tipo più tradizionale e all’interesse per il tema delle Odalische.
Dopo numerosi viaggi in Italia, Spagna, Germania, Gran Bretagna e Russia, nel 1931, e dopo un soggiorno di tre mesi a Tahiti, Matisse si reca negli Stati Uniti, dove ha l’incarico di una grandiosa decorazione sul tema della danza per la Fondazione Barnes a Merion.
Del 1938 è l’esposizione ‘Picasso-Matisse’ al Museum of Modern Art di Boston.
Stabilitosi a Vence nel 1939, si dedica con particolare interesse alla grafica: illustra, tra l’altro, Pasiphaé di H. de Montherlant (1944) e Les Fleurs du Mal di Ch. Baudelaire (1947) e produce illustrazioni in bianco e nero per diversi libri, tra cui l’Ulisse di James Joyce.
Del 1945 è la grande retrospettiva al Salon d’Automne di Parigi, seguita da una doppia personale al Victoria and Albert Museum di Londra, insieme a Picasso. L’anno successivo viene realizzato un film sul suo lavoro.
Del 1947 l’editore parigino Tériade pubblica Jazz: in quest’opera appaiono i primi risultati della tecnica dei papiers découpés, alle quale si dedica con passione negli ultimi anni della sua vita. nel 1948 viene nominato Commendatore della Legione Onore; di questo periodo sono anche i primi contatti con il frate domenicano Rayssiguier in vista della decorazione della Cappella del Rosario a Vence, che sarà terminata e inaugurata nel 1951.
Del 1950 è il Primo Premio della Pittura alla XXV Biennale di Venezia.
Nel 1952 apre nella sua città natale, Cateau-Cambrésis, il Musée Matisse.
Muore il 3 novembre 1954 a Nizza.

Fino al 14 Ottobre 2018
Forte di Bard, via Vittorio Emanuele II, 85 – Bard (Aosta)
Orario: martedì-venerdì 10-18. Sabato, domenica e festivi 10-19. Aperta tutti i giorni dal 23 luglio al 2 settembre 10-19.30
Per informazioni: www.fortedibard.it

L’artista coreano Peter Kim arriva a Roma con una mostra in anteprima assoluta per l’Italia. Di casa a New York, Kim si è diplomato a Marsiglia e le sue opere sono state esposte in diversi musei e gallerie in Francia, Giappone, Hong Kong, Corea del Sud, Belgio, Messico, Serbia ecc.

La ricerca di Kim è incentrata sul tempo e la memoria, sulle fratture e sulle sollecitazioni del presente e sul rapporto tra natura e cultura. Il mezzo espressivo dominante è la linea, ripetuta come un mantra, un’ossessione gestuale che incide nello spazio fino a creare una ragnatela in cui annettere la realtà. E in Sull’orlo della forma, Peter Kim analizza la forma del vaso come archetipo della memoria, come sintesi perfetta tra contenuto e contenitore di qualcosa che separa e include al contempo, in una convergenza tra finito e infinito, accanto alla proposta di matasse informi di fili colorati.

Fino al 4 Novembre 2018
Museo Carlo Bilotti Aranciera di Villa Borghese, Viale Fiorello La Guardia 6 – Roma
Per informazioni: www.museocarlobilotti.it