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Questa importante fiera è generalmente riconosciuta come una delle più valide piattaforme artistiche globali, in grado di collegare le migliori gallerie di tutto il mondo, garantendo la presenza di affermati e prestigiosi collezionisti accanto a nuovi e talentuosi studi e collettivi: un’opportunità unica per scoprire, sponsorizzare, valorizzare e difendere le nuove idee e i progetti più straordinari dell’arte moderna e contemporanea. Le opere più rappresentative dell’arte britannica moderna, presenti nei più importanti musei della nazione, sono esposte accanto ai lavori contemporanei dei principali artisti del momento, coprendo un ampio arco temporale che va dai primi decenni del XX secolo, fino ai giorni nostri. L’intento di London Art Fair è quello di nutrire e dare ispirazione agli artisti e ai collezionisti di tutti i livelli, fornendo allo stesso tempo una visione approfondita del mercato internazionale in evoluzione.

Accanto alle esposizioni principali, le sezioni speciali Art Projects e Photo50 danno voce e rappresentano le prossime generazioni di artisti, fotografi, collettivi e galleristi, mostrando modi sempre più innovativi e interattivi per interagire con l’arte. La ricchissima sezione espositiva della fiera è inoltre completata da un ampio programma di interessanti conferenze, tavole rotonde, performance art interattive e intallazioni multimediali commissionate appositamente per l’evento da parte dei partner della fiera.

La Towner Art Gallery di Eastbourne, partner ufficiale della London Art Fair, all’interno dell’evento presenta The Living Collection, una mostra che riflette la collezione e la storia espositiva della galleria, nel passato e nel presente con eccezionali esempi di arte moderna e contemporanea. Sono state selezionate 25 opere di notevole importanza, acquisite negli ultimi cento anni, che testimoniano l’evoluzione della collezione di arte contemporanea della galleria.

La London Art Fair 2019 include più di 100 gallerie che presentano i più grandi nomi dell’arte britannica moderna del XX secolo, con opere contemporanee di grandissimo valore.

Tra i lavori moderni e contemporanei più rappresentativi in esposizione ricordiamo quelli di Eric Ravilious, Edward Bawden, John Nash, William Nicholson, Duncan Grant, William Gear, Gertrude Hermes, Tirzah Garwood e Wolfgang Tillmans, solo per citarne alcuni.

Dal 16 al 20 Gennaio 2019
Business Design Centre, 52 Upper Street – Londra
Orario: aperta tutti i giorni, dalle 10:00 alle 18:00
Per informazioni: www.londonartfair.co.uk

E’ un grande lavoro à rebours quello che racconta Paul Klee (1879 – 1940) nella mostra ‘Alle origini dell’arte’, al Mudec di Milano. Una selezione di cento opere, suddivise in cinque sezioni tematiche, che offre una lettura diversa dell’artista: non solo linee, colori e geometrie tipiche delle sue opere astratte, ma anche lavori meno conosciuti al grande pubblico, come le incisioni grafiche giovanili in bianco e nero e le caricature, o la produzione con nuovi simboli, alfabeti e ideogrammi.

La mostra, accompagnata anche da preziosi manufatti etnografici della collezione del Museo delle Culture, pone l’attenzione sulla continua ricerca dell’artista dell’origine del gesto creativo e dell’arte primitiva e intende approfondire il lavoro di Klee all’interno del fermento primitivista che scorre per l’Europa agli inizi del XX secolo. 

Tra le opere esposte, che provengono da importanti musei e collezioni private europee e dal Zentrum Paul Klee di Berna, anche alcune mai viste prima in Italia, come ‘Roccia artificiale’ e ‘Artista nomade-Manifesto’, e due videoinstallazioni: ‘Con gli occhi di Paul Klee’ che attraverso immagini e filmati storici donano al visitatore spunti sul contesto culturale e sull’immaginario che può aver ispirato l’artista tedesco, e ‘La lanterna magica’, strumento interattivo che anima le marionette che Klee creò per il figlio Felix.

Fino al 3 marzo 2019
MUDEC, Museo delle Culture, via Tortona 56 – Milano
Orario: lunedì 14.30 – 19.30; martedì – mercoledì – venerdì 09.30 – 19.30; giovedì – sabato – domenica 09.30 – 22.30
Per informazioni: www.mudec.it

I maestri Katsushika Hokusai (1760 – 1849) e Utagawa Hiroshige (1797 – 1858) sono i protagonisti di una mostra dedicata all’arte giapponese di metà Ottocento, con 250 opere, provenienti dal Museum of Fine Arts di Boston, divise in sei sezioni tematiche.

I due artisti fanno parte del gruppo d’artisti del Mondo Fluttuante e hanno realizzato una serie di silografie i cui temi sono la società del tempo, paesaggi, vedute del Giappone ed elementi atmosferici.

Gli anni trenta dell’Ottocento segnano l’apice della produzione ukiyoe (genere di stampa artistica giapponese su carta, impressa con matrici di legno). In quel periodo sono state realizzate le serie silografiche più importanti a firma dei maestri dell’arte del Mondo Fluttuante, che si confermarono come i più grandi nomi dell’arte giapponese in Occidente.

Tra questi spicca da subito Hokusai, artista e personalità fuori dalle righe che rappresenta con forza, drammaticità e sinteticità insieme i luoghi e i volti, oltre che il carattere e le credenze della società del suo tempo.

Anche Hiroshige, Maestro dell’arte del Mondo Fluttuante, è un nome celebre per la qualità delle illustrazioni di paesaggi e vedute del Giappone, per l’abilità nel descrivere gli elementi naturali e atmosferici, il trascorrere del tempo e un peculiare effetto della luce.

Neve, pioggia, chiarori di luna e nebbia sono elementi che Hiroshige sa far percepire in modo quasi tattile e la varietà di tipologie di pioggia per ogni stagione che riesce a rappresentare nelle sue centinaia di silografie policrome del Mondo Fluttuante, gli vale il titolo di “maestro della pioggia”.

Immagini molto conosciute nella cultura dell’epoca, rappresentano una fonte di conoscenza del territorio e sono un contributo importante per la costruzione dell’immaginario collettivo, al fine di rafforzare il senso di appartenenza e di legame nazionale.

Fino al 3 Marzo 2019
Museo Civico Archeologico, via dell’Archiginnasio 2 – Bologna
Orario: da lunedì a venerdì 9 – 19,30; sabato 10 – 22; domenica 10 – 19,30; martedì chiuso. Chiusure straordinarie 25 dicembre 2018 e 1 gennaio 2019
Per informazioni: www.oltrelonda.it

Una grande mostra dedicata a Pablo Picasso (Malaga, 25 ottobre 1881 – Mougins, 8 aprile 1973), con 200 opere tra suoi lavori e arte antica a cui si è ispirato provenienti dal Musée National Picasso di Parigi e da altri importanti musei europei come, tra gli altri, il Musée du Louvre di Parigi, i Musei Vaticani di Roma, il Museo Archeologico Nazionale di Napoli, il Musée Picasso di Antibes, il Musée des Beaux-Arts di Lione, il Centre Pompidou di Parigi, il Musée de l’Orangerie di Parigi, il Museu Picasso di Barcellona.

Divisa in sei sezioni, l’esposizione mette in evidenza il modo di reinventare l’antichità e le figure mitologiche di Picasso a seguito di vari viaggi in Italia che gli hanno permesso di studiare l’arte antica, come quella di Pompei.

Moltissime le opere esposte in mostra, dove emerge un forte dialogo tra Picasso e l’arte antica: ceramiche, vasi, statue, placche votive, rilievi, idoli e stele sono organizzate in diversi nuclei che spaziano dal tema del bacio al mito di Arianna e del Minotauro, dal’origine delle “Demoiselles” alla metamorfosi.

Fino al 17 Febbraio 2019
Palazzo Reale, p.zza del Duomo 12 – Milano
Per informazioni: www.mostrapicassomilano.it

Torna anche quest’anno ad Orvieto (TR) la versione invernale di Umbria Jazz in programma dal 28 Dicembre 2018 al 1° Gennaio 2019. Nel cartellone figurano i grandi nomi del jazz italiano (fra cui i quattro più importanti trombettisti: Rava, Fresu, Bosso, Boltro) e personaggi di culto come Ethan Iverson e Barry Harris.

I luoghi della musica sono il teatro Mancinelli, il museo Emilio Greco, le sale del palazzo del Capitano del Popolo, tutti nel cuore dell’acropoli orvietana. Musica non stop al palazzo dei Sette e jazz lunch e jazz dinner al ‘Malandrino’ e al ‘San Francesco’. Come sempre, ci saranno i Funk Off a sfilare per le vie del centro della città della Rupe. E per chi vorrà far tardi, niente di meglio delle jam session che sono uno dei riti più identitari del jazz fin dalle sue origini. Si comincia a mezzanotte con la resident band (Piero Odorici e Daniele Scannapieco ai sax, Andrea Pozza al piano, Aldo Zunino al contrabbasso e Antony Pinciotti alla batteria) e si prosegue finché si ha voglia.

Restano centrali i due momenti che da sempre caratterizzano il festival. Il primo è il concerto gospel che segue la messa di capodanno nel duomo. I canti religiosi della tradizione afroamericana (quest’anno il New Direction Gospel Choir del Tennessee) sono una presenza fissa dei programmi del festival. Il secondo momento caratterizzante di Umbria Jazz Winter è la notte che saluta l’arrivo del nuovo anno con tre grandi veglioni in altrettanti locali e con concerti prima e dopo la mezzanotte. 

Umbria Jazz, infine, offre anche quest’anno una vetrina di prestigio a due giovani formazioni: la vincitrice del Conad Jazz Contest 2018 ed il Berklee/Umbria Jazz Clinics 2018 Award Group, ovvero gli studenti più promettenti tra quelli che hanno frequentato i corsi estivi del college di Boston.

PROGRAMMA COMPLETO

Tra dipinti, disegni, acquerelli e incisioni, ad Asti arriva il mondo elegante e utopistico di Marc Chagall (Vitebsk, 7 luglio 1887 – Saint-Paul-de-Vence, 28 marzo 1985): un mondo intriso di stupore e meraviglia; opere nelle quali coesistono ricordi d’infanzia, fiabe, poesia, religione e guerra; un universo di sogni dai colori vivaci, di sfumature intense che danno vita a paesaggi popolati da personaggi, reali o immaginari, che si affollano nella fantasia dell’artista.
Opere che riproducono un immaginario onirico in cui è difficile discernere il confine tra realtà e sogno, lo stesso mondo che Chagall raffigura nei suoi libri di incisioni.

La Mostra rappresenta una straordinaria opportunità per ammirare più di 150 opere di Marc Chagall e ripercorrere la traiettoria artistica del pittore dal 1925 fino alla morte. In secondo luogo, l’allestimento segue un percorso originale che, andando oltre la presentazione cronologica, propone una lettura nuova delle opere, consentendo al visitatore di addentrarsi nei temi principali della produzione dell’artista: la tradizione russa, legata alla sua infanzia, dalla quale non si allontanò mai; il senso del sacro e la profonda religiosità che si riflettono nelle creazioni ispirate alla Bibbia; il rapporto con i letterati e i poeti, rappresentato in mostra dalla raccolta di incisioni con cui tradusse in immagini i testi di Jean Girardoux e altri scrittori per il volume I sette peccati capitali; l’interesse per la natura e gli animali e le riflessioni sul comportamento umano che trovarono espressione nelle acqueforti delle Favole; il mondo del circo, che lo affascinava sin dall’infanzia per la sua atmosfera bohémienne e la sua sete di libertà; e, ovviamente, l’amore, che domina le sue opere e dà senso all’arte e alla vita.
Infine, va sottolineata la presenza in mostra di alcuni capolavori, appartenenti a importanti collezioni private, che raramente sono stati esposti.

Fino al 3 Febbraio 2019
Palazzo Mazzetti, corso Vittorio Alfieri 357 – Asti
Orario: da martedì a domenica: 10.00 – 19.00
Per informazioni: www.astichagall.it

La mostra romana espone una serie di capolavori realizzati dagli artisti che vissero nella Grande Mela e che, collettivamente soprannominati “Scuola di New York”, tra gli anni Quaranta e Cinquanta del secolo scorso crearono e definirono i confini del nuovo astrattismo di matrice americana.

L’Ala Brasini del Vittoriano accoglie uno dei nuclei più preziosi della collezione del Whitney Museum di New York: Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Franz Kline e molti altri rappresentati della Scuola di New York irrompono a Roma con tutta l’energia e quel carattere di rottura che fece di loro eterni e indimenticabili “Irascibili”.

Anticonformismo, introspezione psicologica e sperimentazione sono le tre linee guida che accompagnano lo spettatore in questa mostra.

Attraverso circa 50 capolavori – tra cui il celebre Number 27, la grande tela di Pollock lunga oltre 3m resa iconica dal magistrale equilibrio fra le pennellate di nero e la fusione dei colori più chiari – colori vividi, armonia delle forme, soggetti e rappresentazioni astratte immergono gli osservatori in un contesto artistico magnifico: l’espressionismo astratto.

Fino al 24 Febbraio 2019
Complesso Monumentale del Vittoriano, via di San Pietro in Carcere – Roma
Orario: da lunedì a giovedì 9.30 – 19.30; venerdì e sabato 9.30 – 22.00; domenica 9.30 – 20.30
Per informazioni: www.ilvittoriano.com

Per la prima volta in Francia dal 1953, il Centre Pompidou dedica una mostra al cubismo attraverso un ampio panorama della storia del movimento a Parigi tra il 1907 e il 1917.

L’originalità del progetto è quello di espandere la visione tradizionalmente focalizzata sui grandi nomi del movimento, Georges Braque, Juan Gris, Fernand Léger e Pablo Picasso, con i cubisti diciamo così secondari, come Gleizes e Metzinger, o diversi, come Robert e Sonia Delaunay, Marcel Duchamp e Francis Picabia, che ha esposto nei saloni ufficiali parigini quando i pionieri riservarono le loro creazioni sperimentali a un giovane mercante sconosciuto, Daniel-Henry Kahnweiler.

Arricchita con trecento opere e documenti significativi della sua influenza, la presentazione, in ordine cronologico, è divisa in quattordici capitoli che mostrano capolavori come Ritratto di Gertrude Stein (1905-1906) o quelli di Ambroise Vollard (1909) e Daniel-Henry Kahnweiler (1910) di Picasso e serie di dipinti e sculture mai messi insieme in una mostra.

Fino al 17 Febbraio 2019
Centro Georges Pompidou, Place Georges-Pompidou – Parigi
Per informazioni: www.centrepompidou.fr

Per la prima volta in Italia, la grande mostra multimediale internazionale che rende omaggio ai grandi artisti ritenuti i precursori di un nuovo mododi osservare il mondo e la natura circostante, di esprimere l’immediatezza e la fluidità attraverso ilcontrasto di luci e ombre e i colori vividi in ambito pittorico.

Il percorso espositivo, studiato appositamente per le sale del Palazzo degli Esami, condurrà il pubblico indietro nel tempo, nella Parigi del XIX secolo: un cuore bohémien, pulsante di creatività e innovazione,che si apprestava a cambiare una volta per tutte il volto dell’arte europea.

Tanto gli adulti quanto i bambini riescono ad immergersi in questo movimento artistico affascinante e influente. Qui, opere mozzafiato vengono proiettate con vividezza e accuratezza su scala immensa, perriportare, con dimensioni maggiori del reale, le audaci pennellate di Monet, Degas, Pissarro, Cézanne e molti altri.

La visita della mostra consente di addentrarsi in un ambiente illuminato esclusivamente dalle immagini delle opere dei grandi maestri, così nitide e reali da coinvolgere emotivamente il visitatore e farlo sentiretotalmente inserito nel contesto delle opere (effetto immersivo).

Il perfetto connubio tra le proiezioni e lo scenario offerto dal Magnifico Palazzo degli Esami riaperto al pubblico dopo alcuni decenni, offre alla grande multimedialità della mostra una scenografia incredibilmente suggestiva e senza tempo.

Migliaia di immagini raffiguranti i capolavori degli Impressionisti francesi vengono proiettate a pieno schermo grazie alla tecnologia SENSORY4TM: proiettori ad alta definizione, una grafica multi canale e unsuono surround contribuiscono a creare uno dei più coinvolgenti ambienti multi-screen al mondo. Il modo in cui gli Impressionisti francesi rappresentarono modernità emovimento, luce e ombra, continua a venir ammirato ed emulato da generazioni di artisti.

A rendere ancor più suggestiva l’atmosfera generale è la vibrante colonna sonora, con le musiche diDebussy, Čajkovskij, Ravel, Offenbach.

Fino al 5 Gennaio 2019
Palazzo degli Esami, via Girolamo Induno 4 – Roma
Per informazioni: www.impressionistiroma.it

Tra storie di eccessi, trasgressione e mondanità, i protagonisti del clima artistico di una sempre nuova New York come Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat (quest’anno ricorre il trentennale della morte), Francesco Clemente, Keith Haring, Julian Schnabel e Jeff Koons, con circa 150 opere, sono i protagonisti nella mostra ‘Warhol & Friends. New York negli anni ’80’.

Letti troppo spesso come il decennio del disincanto e della superficialità, gli anni ’80 hanno un loro modo di fare politica in un’esplosione di colori e figure dove l’arte non è solo esperienza visiva. A raccontare il fermento irripetibile di un decennio che ha visto combinarsi arte, musica, cinema e letteratura – nel momento in cui gallerie e mercato internazionale decretano il clamoroso successo del ritorno alla pittura – a Bologna arrivano Warhol, Haring con ‘Untitled’ (1983), Schnabel con ‘Dunciad (Trances of Bouboul)’ del 1983, Koons con ‘Art Magazine Ads’ (1989), Basquiat con ‘Untitled’ (1983) e Bertoglio con Grace Jones e Madonna (1983). Ma anche Robert Mapplethorpe, Alex Katz, Ronnie Cutrone e molti altri.

In mostra con 36 opere e 38 polaroid Andy Warhol che, dopo essere stato vittima nel ’68 di un attentato, proprio all’inizio degli anni ’80 torna al centro della vita artistica e sociale di New York realizzando alcuni tra i suoi cicli più interessanti come Shoes, Hammer & Sickle, Camouflage, Lenin, Joseph Beuys, Vesuvius, Knives.

Tra pubblicità, commercio, beni di consumo – dai Duty Free ai Levi’s Jeans – il nuovo Andy guarda ancora di più al modo della comunicazione e dei media, avvicinandosi così alla nuova generazione di giovani artisti degli anni ’80 che in lui vedono un anticipatore, un vero e proprio guru. Trasformando in arte i feticci dell’immaginario collettivo americano e anticipando l’instaurarsi del potere dei mass media, Warhol rese icone i personaggi dello star system e i simboli del consumismo: Liza Minelli, Marilyn Monroe e Mao accanto a Campbell’s Soup, Brillo Boxes e il Dollaro, tutte presenti in mostra a Bologna.

Fino al 24 Febbraio 2019  
Palazzo Albergati, via Saragozza 28 – Bologna
Orario: aperto tutti i giorni dalle 10.00 alle 20.00
Per informazioni: www.palazzoalbergati.com