Archivi categoria: AGENDA

E’ la Pubblicità la protagonista della grande mostra che ospita 200 opere dalla fine dell’Ottocento all’era di Carosello.

Obiettivo della Mostra è raccontare la nascita in Italia della pubblicità dalle sue prime forme di comunicazione semplici e dirette all’introduzione dell’illustrazione come strumento persuasivo e spiazzante per novità e per fantasia, al rapporto tra illustrazione e messaggio pubblicitario attraverso i diversi media, dal più conosciuto manifesto, alla locandina, alla targa di latta e poi al packaging della confezione, fino all’arrivo della radio come strumento di comunicazione di massa.

Fino al 10 Dicembre 2017
Fondazione Magnani Rocca, via Fondazione Magnani Rocca 4, Mamiano di Traversetolo (Parma)
Orario: dal martedì al venerdì continuato 10-18; sabato, domenica e festivi continuato 10-19; lunedì chiuso
Per informazioni: www.magnanirocca.it

Il tratto inconfondibile di Monet nei ponti e nelle strade di Parigi, le similitudini e le differenze tra Mantegna e Bellini, i colori brillanti dei pastelli di Degas, i paesaggi emotivi di Thomas Cole, la sensibilità dei ritratti di Lorenzo Lotto: tra il 2017 e il 2018 sarà tutto un fiorire di mostre imperdibili alla National Gallery di Londra, che prepara per i suoi visitatori un programma dedicato ad alcuni degli artisti più rappresentativi della storia dell’arte di tutti i tempi.

Si inizia in autunno con la mostra “Disegni a colori. Degas dalla Collezione Burrell” (fino al 7/5) che segna il centenario della morte del pittore avvenuta il 27 settembre 1917: la scelta delle opere offre una testimonianza della grandezza dell’artista nell’uso dei pastelli, tecnica preferita rispetto alla pittura a olio, con la quale si cimentò specialmente negli ultimi anni.

Con la seconda mostra, “Lago Keitele. Una visione della Finlandia” (15/11-4/2), il museo londinese espone al pubblico tutte insieme le quattro versioni dello stesso soggetto dipinte da Akseli Gallen-Kallela (1865-1931), figura di spicco della moderna pittura finlandese, in vari momenti della sua carriera: nelle tele raffiguranti lo splendido lago si rende evidente il passaggio graduale dell’artista da un paesaggio reale e naturalista ad un’immagine altamente stilizzata e astratta.

In “Murillo. Gli autoritratti” (28/2-21/5) l’omaggio è per uno dei principali pittori dell’epoca d’oro spagnola: in esposizione, proprio per celebrare i 400 anni dalla nascita dell’artista, gli unici due autoritratti noti da lui realizzati, che lo mostrano dapprima trentenne e poi di venti anni più vecchio.

Con oltre 70 dipinti la mostra “Monet e l’Architettura” (9/4-29/7) è la prima che esplora il rapporto tra il padre dell’Impressionismo con la rappresentazione di edifici, chiese e strade: il pubblico vedrà come lo sguardo del maestro ha elaborato la visione di alcuni luoghi celebri, come la Cattedrale di Rouen, la Gare Saint-Lazare di Parigi o Trafalgar Square e il Palazzo di Westminster a Londra.

In stretta relazione le due mostre “Il corso dell’Impero di Ed Ruscha” (11/6-7/10) e “Thomas Cole” (11/6-7/10): nella prima l’artista contemporaneo, rievocando con la sua opera il famoso ciclo di dipinti di Cole “Il Corso dell’Impero” (1833-36 ) su ascesa e caduta della civiltà classica, si concentra sugli edifici industriali di Los Angeles per comunicare un’idea di potenza economica e globalizzazione; nella seconda, viene esposto appunto il ciclo pittorico del celebre artista americano ottocentesco, mostrando il dialogo con i pittori europei della metà del XIX secolo come Turner e Constable.

Attraverso il confronto tra dipinti, disegni e sculture, la mostra “Mantegna e Bellini” (1/10-27/1/19) vuole esplorare il rapporto tra i due artisti italiani (furono anche parenti: Mantegna aveva sposato Niccolosa, sorellastra di Bellini): al centro dell’esposizione tele celebri come i due dipinti della Presentazione al tempio nei quali si evidenziano similitudini nella composizione, ma anche il talento individuale di ciascuno degli artisti.

Immediatezza espressiva, saturazione del colore e audace uso delle ombre nella mostra “Lorenzo Lotto. I ritratti” (5/10-10/2/19): esposti per il pubblico alcuni dei lavori più rappresentativi dell’artista rinascimentale italiano, nei quali si evidenzia la maestria nel ritrarre una varietà di modelli appartenenti alla classe media, tra cui ecclesiastici, commercianti e umanisti esaltandone il lato psicologico.

Attraverso una selezione unica e raffinatissima di opere, tre dipinti, dieci disegni realizzati da Pablo Picasso (Malaga, 25 ottobre 1881 – Mougins, 8 aprile 1973) tra febbraio e dicembre del 1937 e una scultura, esposte insieme per la prima volta, la mostra cerca di gettare nuova luce sul lavoro dell’artista spagnolo, evidenziando i suoi collegamenti con quel Mediterraneo che ha avuto un ruolo così importante nella sua carriera artistica: dalle radici in Spagna, alla vita in Francia, alle relazioni con artisti e forme d’arte che avevano nel Mediterraneo un punto di riferimento. Nata dalla collaborazione con il Musée national Picasso-Paris, la mostra, raccolta e mirata, si snoda attorno a una delle tele più amate da Peggy Guggenheim, il dipinto picassiano Sulla spiaggia (La Baignade), appartenente oggi al museo veneziano.

Con le sue numerosissime rappresentazioni di spiagge e bagnanti, Picasso non ha certamente scoperto un nuovo soggetto, ma ha identificato e rivelato l’unico vero “scenario esterno” dell’intera sua opera. Come la maggior parte dei suoi temi, il concetto di spiaggia viene affrontato in maniera sia tradizionale che più propriamente moderna. Giorgione, Tiziano, Ingres, Puvis de Chavannes, Manet, Cézanne, Matisse, Renoir sono tutti artisti ai quali Picasso mostra di aver guardato come fonte di ispirazione per le sue figurazioni e strutture compositive; il tema del nudo in movimento è tema ricorrente e di primaria importanza per tutti quegli artisti interessati alla pittura figurativa. Il passo in avanti fatto dall’artista non è dato tuttavia dal soggetto quanto invece dal modo in cui il genio spagnolo, collegando l’esperienza individuale alle forme della tradizione, creò non solo qualcosa di nuovo, ma di assolutamente rivoluzionario.

Fino al 7 Gennaio 2018
Collezione Peggy Guggenheim, Palazzo Venier dei Leoni, Dorsoduro 701 – Venezia
Orario: aperto dalle 10-18 tutti i giorni; chiuso il martedì e il 25 dicembre
Per informazioni: www.guggenheim-venice.it

Alla National Gallery di Londra la potenza visiva del bianco e nero in 700 anni di pittura, a Parigi invece le splendide cromie di Gauguin, i ritratti di Rubens, i disegni di Degas, mentre a Madrid si racconta l’incontro ideale tra Picasso e Tolouse-Lautrec e a New York è di scena il genio di Michelangelo: in tutto il mondo le mostre della nuova stagione autunnale sono all’insegna della grande arte di tutti i tempi. Con un occhio alle celebrazioni, a partire dal centenario della morte di Rodin (un’attesa esposizione al Metropolitan Museum) e dei 50 anni dalla scomparsa di Magritte (a Bruxelles).

Una ventina di pastelli, di straordinaria bellezza di Edgar Degas saranno al centro della rassegna allestita nella londinese National Gallery dal 20 settembre al 7 maggio. Intitolata ‘Drawn in colour: Degas from the Burrell’, la mostra presenterà diversi nuclei dei capolavori custoditi in una delle più importanti collezioni incentrate sull’arte del maestro francese. Sempre negli spazi del prestigioso museo si potrà visitare dal 30 ottobre al 18 febbraio ‘Monochrome: Painting in Black and White’, che rivisiterà 700 anni di storia della pittura attraverso opere monocrome, in cui al posto del colore l’artista si è basato sulla potenza visiva del bianco e del nero. Tra le opere, quelle di van Eyck, Durer, Rembrandt, Ingres, a confronto con contemporanei quali Richter o Chuck Close.

Numerose e di grande richiamo le mostre in programma a Parigi, a cominciare da ‘Rubens. Portraits Princiers‘ dal 4 ottobre al 14 gennaio al Musée du Luxembourg. Si tratta di una serie di meravigliosi dipinti che ribadiranno l’eccezionale propensione per il ritratto di corte del maestro fiammingo, testimoniata dalle raffigurazioni di Filippo V, Luigi XIII o Maria de’ Medici, affiancate da analoghi dipinti di Velazquez o Van Dyck. L’arte moderna è invece al centro delle altre iniziative espositive autunnali della Ville lumiere. Dal 10 ottobre all’11 febbraio il Museo Picasso ospiterà ‘Picasso 1932. Année érotique’, dove i visitatori potranno approfondire la produzione realizzata dal genio spagnolo in uno dei suoi anni più significativi. E se dall’11 ottobre al 22 gennaio al Grand Palais sarà di scena ‘Gauguin, l’alchimiste’, in cui verrà ricostruito il percorso del maestro e la sua capacità di esplorare le arti più diverse, ecco ancora Degas, al Museo d’Orsay dal 28 novembre al 25 febbraio con ‘Degas Danza Disegno. Un omaggio a Degas con Paul Valery‘. Il Centre Pompidou ospiterà, dal 4 ottobre al 29 gennaio, “André Derain 1904 – 1914. La décennie radicale”, per gettare nuova luce su uno dei protagonisti delle Avanguardie storiche, colto negli anni della sua maggiore innovazione.

Picasso torna ancora a Madrid, al Museo Thyssen-Bornemisza dal 17 ottobre al 21 gennaio con ‘Picasso-Lautrec‘, dedicata al periodo parigino dell’artista, riletto attraverso il rapporto ideale con l’opera di Henri de Toulouse-Lautrec. Mentre al Museo del Prado si potrà visitare dal 21 novembre al 18 marzo ‘Mariano Fortuny (1838-1874)‘, sempre in Spagna, ma questa volta a Malaga, ecco dal 10 ottobre al 28 gennaio al Museo Picasso ‘Siamo completamente libere. Le donne artiste e il Surrealismo‘, un centinaio di opere di surrealiste, quali Frida Kahlo, Dora Maar, Lee Miller, Dorothea Tanning e Germaine Dulac.

Tra le altre mostre europee, all’Albertina di Vienna ci sarà dall’8 settembre al 3 dicembre ‘Bruegel. Il disegno del mondo’, che, a partire dalle raccolte del museo, illustrerà lo spettro completo dei disegni e dell’opera incisoria dell’artista. In Svizzera, alla Fondation Beyeler di Basilea si indagherà invece sull’astrazione di ‘Paul Klee’ (dall’1 ottobre al 21 gennaio) e in Belgio proseguiranno le celebrazioni per i 50 anni dalla scomparsa di Magritte con ‘Magritte e l’arte contemporanea’ al Museo Magritte di Bruxelles dal 13 ottobre al 18 febbraio.

Attraversando l’Atlantico, un altro anniversario, quello dei cento anni dalla morte di August Rodin, terrà banco tra le esposizioni di New York. Il Metropolitan Museum dal 16 settembre al 15 gennaio affiancherà al nucleo di capolavori dello scultore francese in esso custodito opere provenienti da tutto il mondo per ‘Rodin at The Met’. Una ricca stagione quella del museo newyorkese, che dal 13 novembre al 12 febbraio ospiterà anche ‘Michelangelo: Divine Draftsman and Designer‘, con circa 150 opere, fra cui disegni e sculture del genio rinascimentale. Al Moma invece ci saranno ‘Max Ernst: Beyond Painting‘, dal 23 settembre al primo gennaio e ‘Louise Bourgeois: An Unfolding Portrait’ dal 24 settembre al 28 gennaio. Cambiando città, alla Phillis Collection di Washington, dal 7 ottobre al 7 gennaio, si potranno infine ammirare i capolavori della Johnson Collection in ‘Renoir and Friends‘.

Seducenti dive del cinema, fantastiche evasioni, il fascino esotico di luoghi lontani, avvolti da delicate fragranze.

È il prezioso universo dei calendarietti tascabili, detti “del barbiere”, che negli anni Trenta catapultavano chi tornava a casa dopo la barba, in ambientazioni da sogno tra le profusioni d’oro e d’argento che ne ornavano le pagine.

Un autentico viaggio nel tempo e tra i costumi dell’Italia attraverso una forma d’arte molto diffusa e apprezzata nel ventennio che intercorre tra le due guerre mondiali e che assiste alla nascita e all’evoluzione dell’Art déco.

Circa 80 calendari da tasca – accanto a confezioni di profumi ed etichette, cosmetici e oggetti rari, tra i quali un curioso apparecchio spruzza-profumo a monete degli anni Trenta – sfilano lungo un percorso espositivo suddiviso per tematiche, dalla profumeria alla seduzione, dalla letteratura al fascino dell’Oriente. Specchio dei gusti, delle tecniche pubblicitarie e dei consumi del secolo scorso, i calendarietti – che condividono con le figurine il piccolo formato, le tecniche di stampa e la vocazione a diventare oggetti da collezione – rappresentano preziosi documenti dal punto di vista della storia della grafica e dell’arte, perché spesso firmati da artisti famosi.

La stagione che rivive al Museo della Figurina è quella più fortunata per la micrografica, grazie all’apporto di illustratori come De Bellis e Carboni, ma soprattutto grazie all’estetica nuova, ricca di fascino ed eleganza, a quel linguaggio figurativo fondato sull’armonia geometrica e su inconfondibili motivi ritmici.

Qualcuno ricorderà anche l’essenza, spesso reclamizzata al suo interno, che accompagnava il piccolo almanacco di dodici o sedici facciate, divenuto un genere artistico autonomo grazie ai suoi inconfondibili contenuti ispirati all’universo della bellezza, dei cosmetici e dei profumi. Ed è per rievocare al meglio quel contesto che sabato 16 e domenica 17 settembre i visitatori potranno riscoprire le fragranze antiche partecipando all’appuntamento Questione di naso. Indovina l’odore, un percorso olfattivo a ingresso libero per testare la capacità dei partecipanti di riconoscere gli odori.

Fino al 18 Febbraio 2018
Museo della Figurina, corso Canalgrande 103 – Modena
Orario: da mercoledì a venerdì 10.30-13; 15-19; sabato, domenica e festivi 10.30-19; lunedì e martedì chiuso
Per informazioni: www.comune.modena.it/museofigurina

Inglese di nascita, ma californiano d’adozione, David Hockney è tra i più noti e affermati artisti contemporanei.

Si forma al Royal College of Art di Londra tra il 1957 e il 1962 e dalla sua partecipazione nel 1960 alla mostra londinese Young Contemporaries alla Whitechapel Art Gallery viene catapultato sotto i riflettori sia in Inghilterra che, nel giro di pochi anni, in America. Dal 1964 si trasferisce a Los Angeles, dove traduce l’atmosfera della vita americana in opere famosissime dalle campiture sature dell’abbagliante luce californiana. L’elemento fgurativo riveste sempre nella sua produzione un ruolo cardine, declinato nei generi del ritratto e del paesaggio, associato a una costante interazione tra tecniche artistiche tradizionali e nuovi media.

Eseguiti tra il 2013 e il 2016 e considerati dall’artista come un unico corpus di lavori, gli 82 ritratti esposti nella mostra offrono una particolare visione della vita di Hockney a Los Angeles, delle sue relazioni con il mondo artistico internazionale, con galleristi, critici, curatori, artisti, amici, volti celebri come quelli di John Baldessari, Lord Jacob Rothschild, Larry Gagosian, Stephanie Barron, ma anche di familiari e persone divenute parte della sua vita quotidiana. Hockney esegue ogni ritratto nelle medesime condizioni: il tempo di realizzazione è di tre giorni, durante i quali il soggetto si accomoda su una sedia, sempre la stessa, con alle spalle il medesimo sfondo neutro.

Le 82 tele, tutte dello stesso formato, raccolgono una tassonomia di tipi e caratteri, un saggio visivo sulla forma e condizione umana che trascende le classificazioni di genere, identità e nazionalità. All’interno dell’apparentemente limitato formato della figura, assisa su uno sfondo bitonale, si frammenta e si esprime un’infinita gamma di temperamenti umani che testimoniano, ancora una volta, la grandezza di questo maestro della nostra contemporaneità.

Fino al 22 Ottobre 2017
Ca’ Pesaro – Galleria Internazionale d’Arte Moderna, Santa Croce 2076 – Venezia
Orario: 10 – 18; chiuso il lunedì
Per informazioni: http://capesaro.visitmuve.it

In mostra 29 artisti italiani tra Cinquecento e Settecento, con oltre trenta capolavori dell’arte: tra gli altri, Simone Peterzano, Giulio Cesare Procaccini, Lionello Spada, Mattia Preti, Luca Giordano, Giambattista Tiepolo e i figli Giandomenico e Lorenzo Tiepolo.

La mostra è un progetto inedito a cura di Vittorio Sgarbi, con la collaborazione di Antonio D’Amico, che racconta la donna nell’arte al centro di un antico binomio che vede indissolubilmente legati potere e seduzione. Racconti mitologici, biblici e allegorici, prendono vita da una complessa iconografia dalla quale emergono figure femminili di volta in volta ricche di pathos, misticismo, sensualità e teatralità, in un gioco audace di rimandi che allude, coinvolge e incanta. Indiscussa protagonista della scena la donna è ora velata di ardore estatico, come nella Maddalena portata in cielo dagli angeli di Francesco Cairo, o nella Morte di Cleopatra di Guido Cagnacci, ora ritrosa e solo leggermente ammiccante ne La Primavera di Rosalba Carriera, ora vittoriosa nel Trionfo di Anfitrite di Giambattista Tiepolo.

I dipinti esposti provengono da prestigiose collezioni private italiane ed estere, dalla Pinacoteca dell’Accademia dei Concordi di Forlì e dalle Collezioni d’arte della Fondazione Cassa di Risparmio di Pesaro.

Fino al 3 Dicembre 2017
Chiesa monumentale di San Francesco – Gualdo Tadino (Pg)
Orario: Aperta tutti i giorni 10-13/15-19

La mostra focalizza l’attenzione principalmente sulla ricchissima ed eclettica collezione d’arte di proprietà del pittore, sul ruolo fondamentale che essa ha avuto nel suo lavoro e di come questi oggetti, conservati nel suo studio, siano stati fonte di ispirazione continua nella sua arte trascendente.

Henri Matisse (1869–1954) è stato un pittore, incisore, illustratore e scultore francese tra i più noti artisti del XX secolo, ed esponente di maggior spicco della corrente artistica dei Fauves. Nel 1901 espone a Parigi al Salon des Indépendants e conosce gli altri artisti con cui fonda il movimento dei Fauves: Maurice de Vlaminck e André Derain. Per gli esponenti di questo gruppo l’artista raffigura non tanto ciò che vede, quanto l’emozione suscitata in lui dalla realtà. Principale mezzo espressivo è il colore: le tinte sono pure, stese su ampie superfici ed accostate in modo da esaltare i contrasti tra colori i complementari e la luminosità.

Come molti altri artisti d’avanguardia, Matisse si interessa di varie forme espressive e di arte Primitiva. Abbandona la tavola cromatica degli Impressionisti creando uno stile molto personale, basato su colori piatti e brillanti e linee fluide. I suoi soggetti sono principalmente donne, interni e nature morte. A partite dal 1939 inizia a produrre, oltre ai dipinti, sculture, litografie, acqueforti, pitture murali, cartoni per arazzi, mobili, scenari e costumi per balletti.

Matisse ha disegnato e creato le sue opere partendo ed ispirandosi a numerosi oggetti, molti dei quali esposti per la prima volta alla Royal Academy of Arts, provenienti dagli angoli più lontani e remoti del mondo: statue buddiste thailandesi, figure Bamana del Mali, mobili e tessuti acquistati nel Nord Africa. Pur non avendo alcun valore materiale, questi oggetti erano comunque molto preziosi, in quanto offrivano punti di partenza, ispirazione e idee su cui, nel tempo, Matisse tornava spesso, rivisitando forme e disegni e reinterpretando il modello originale in diverse fasi della sua carriera, adattandolo a nuovi ambienti, constesti sociali e periodi storici.

Gli oggetti della collezione personale di Matisse che sono stati riuniti nella mostra, se da una parte hanno formato e plasmato il suo repertorio artistico, dall’altra hanno offerto infinite possibilità di allargare gli orizzonti attraverso influenze, culture e stili che andavano ben oltre i limiti dell’arte occidentale del tempo. La scultura africana e le maschere tribali (che molto interessarono anche Gauguin e Picasso) furono per lui una rivelazione, suggerendo modelli più espressivi e inusuali per raffigurare il volto e la figura umana in genere.

A partitre dagli anni Trenta, Matisse iniziò a decorare ed adornare il suo studio di Nizza con colonne, arabeschi e tessuti provenienti dal mondo islamico per creare set raffinati e sensuali per i suoi ‘odalisques’, dai quali emerge un’armoniosa sinergia tra figure oggetti. E ancora, quasi alla fine della sua vita, mentre la carriera raggiungeva l’apice, nel periodo dei famosissimi ‘Cut-out’, egli guardò e si ispirò alla concisa precisione della calligrafia cinese e dei tessuti africani per inventare un nuovo e personale linguaggio semplificato costituito essenzialmente di segni.

La mostra Matisse in the Studio offre chiavi di lettura alternative rispetto alla ricca storiografia e bibliografia di Matisse permettendo ai visitatori di osservare contemporaneamente sia la collezione personale dell’artista che i dipinti, le sculture e i disegni che essa ha ispirato. E solo così, guardando fisicamente e contemporaneamente opere e modelli ispiratori, si può comprendere come la magistrale visione sinergica e dinamica della sua arte sia originata innanzitutto dal collage di modelli e ritmi che l’artista ha trovato nel mondo degli oggetti.

Fino al 12 Novembre 2017
Royal Academy of Arts, The Sackler Wing, Burlington House, Piccadilly – Londra
Orario: aperta tutti i giorni dalle 10.00 alle 18.00; venerdì e sabato fino alle 22.00
Per informazioni: www.royalacademy.org.uk