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Sono 12 i protagonisti assoluti di questa mostra dedicata all’arte italiana della prima metà del Novecento: Mario Sironi, Arturo Martini, Ferruccio Ferrazzi, Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Carlo Carrà, Ardengo Soffici, Ottone Rosai, Massimo Campigli, Marino Marini, Fausto Pirandello e Scipione. Tutti hanno nell’esposizione uno spazio espositivo dedicato. Delle vere e proprie stanze nelle quali rivivono i mondi dei magnifici 12. L’evoluzione dei linguaggi, le rivoluzioni personali, le storie di un’Italia diversa sono letture inedite che fanno ulteriormente apprezzare un patrimonio di opere già molto conosciute.

In mostra circa sessanta opere di scultura, pittura e grafica appartenenti alla Galleria d’Arte Moderna e altri provenienti da prestigiose raccolte private, tra le quali vengono valorizzati, per la prima volta, i dipinti di Massimo Campigli (Le spose dei marinai, 1934), di Ardengo Soffici (Campi e colline, 1925; Marzo burrascoso, 1926-27) e di Ottone Rosai (Paese, 1923).

Fino al 1° Ottobre 2017
Galleria d’Arte Moderna, via Francesco Crispi 24 – Roma
Orario: da martedì a domenica ore 10.00 – 18.30; chiuso lunedì
Per informazioni: www.galleriaartemodernaroma.it

L’esplorazione dell’arte contemporanea africana è una vera scoperta. Per questo evento sono stati scelti 33 artisti di diverse generazioni che raccontano, attraverso le loro opere, decenni diversi, Paesi diversi e storie diverse, ma con elementi comuni. Sono quattro le sezioni del percorso espositivo: dagli artisti protagonisti del dopo l’indipendenza a quelli impegnati, dalla generazione Africa immersa nel contemporaneo alle donne che indagano la realtà attraverso il cortpo e le politiche della distanza.

Fino all’11 Settembre 2017
Padiglione d’Arte Contemporanea (Pac) via Palestro 14 – Milano
Orario: mercoledì, venerdì, sabato e domenica 9.30- 19.30; martedì e giovedì 9.30 – 22.30; chiuso lunedì
Per informazioni: www.pacmilano.it

La mostra è dedicata esclusivamente agli acquerelli realizzati da John Singer Sargent (1856-1925), pittore anglo-americano, raffinato interprete dell’opulenza dell’era edoardiana e considerato uno dei ritrattisti più significativi della sua generazione. Egli preferì non dedicarsi alla sperimentazione e infatti fu celebre soprattutto per i suoi ritratti, nei quali passò in rassegna l’aristocrazia e l’alta società dell’Europa, oltre che le maggiori personalità contemporanee: l’oggetto dei ritratti di Sargent, era quasi sempre la società e il mondo raffinato e mondano che rispecchiava la sua sensibilità cosmopolita. Nei suoi dipinti traspare l’atmosfera spensierata e mondana di una società che egli ritrae con uno stile moderno, fluido e brillante. La grande rapidità d’esecuzione, la trasparenza e l’uso straordinario della luce, il disinvolto ed elegante eclettismo e l’ostentazione di particolari mondani furono tutte caratteristiche che resero Sargent immensamente popolare nell’alta società europea.

In mostra ben 80 opere (tra cui la bellissima The lady with the umbrella, 1911) provenienti da oltre 30 gallerie e collezioni artistiche internazionali (pubbliche e private); tutti i dipinti sono stati realizzati tra il 1900 e il 1918, uno dei periodi più produttivi e intensi nella carriera dell’artista. A partire dal 1901 il pittore, infatti, abbandonò quasi del tutto la ritrattistica e si dedicò con molta assiduità a quei soggetti che lasciavano più spazio all’immaginazione. Mosso dalla febbrile eccitazione che gli procurava il viaggio, che gli consentiva di scoprire temi non banali, bensì speciali e unici, Sargent approdò definitivamente all’acquarello, una tecnica che padroneggiava brillantemente e che egli ritenne più appropriata per cogliere con freschezza e immediatezza tutti gli effetti luministici forniti dall’osservazione en plein air. I soggetti più ricorrenti della tarda maturità di Sargent, ovvero ruscelli e torrenti (Alpi), la laguna di Venezia, valli, parchi, statue e fontane, sono tutti riproposti con grande fedeltà e cura dei dettagli e denotano un ritorno all’energia e alla sincerità dei suoi primi anni.

Durante i numerosi viaggi intrapresi nel Sud dell’Europa e nel Medio Oriente, libero dai vincoli dello studio e della ritrattistica, Sargent sviluppò una tecnica molto personale di vedere e comporre le sue opere lasciandosi ispirare dalla luce e dall’emotività dei luoghi visitati; i suoi soggetti spesso apparivano frammentari e disorientanti, espressione del suo personale e innovativo gusto estetico. Molti degli acquerelli realizzati in quel periodo sono stati spesso licenziati dalla critica e dalla società del tempo come semplici schizzi di viaggio. Essi in realtà sono parte integrante della produzione artistica di Sargent: abbagliano per l’uso magistrale della luce e per l’intensità e la brillantezza del colore, ed offrono una visione alternativa e diversa dell’opera di questo grande artista dotato di un talento straordinario e di una tecnica pittorica unica e altamente innovativa.

Fino all’8 Ottobre 2017
Dulwich Picture Gallery, Gallery Road – Londra
Orario: aperta tutti i giorni dalle 10.00 alle 17.00; chiuso il lunedì
Per informazioni: www.dulwichpicturegallery.org.uk

Splendidi dipinti di Jan Preisle e Alphonse Mucha, litografie, gioielli, magnifiche ceramiche, le meraviglie del Liberty sono di scena a Trieste.

Per la prima volta in Italia, saranno esposte circa 200 opere provenienti dal Museo di arti decorative di Praga (attualmente in via di ristrutturazione), che ha concesso in prestito anche sette metri di decorazione del padiglione della Bosnia-Erzegovina, realizzata da Mucha per l’Esposizione Universale di Parigi del 1900.

Le opere in mostra faranno rivivere le atmosfere della Belle Epoque e l’avvento del ‘modernismo’. Anni cruciali in cui si consumò una sorta di rivoluzione ed emancipazione delle arti in risposta alla sollecitazione delle mutate esigenze estetiche e spirituali. Del resto, il Liberty (in ceco Secese), l’ultimo degli stili universali espresso dall’Occidente a cavallo tra il XIX e il XX secolo in grado di segnare con i suoi tipici elementi figurativi l’architettura, la pittura, la scultura e il mondo multiforme delle arti decorative, ebbe proprio a Praga e in Boemia uno dei suoi centri di sviluppo più rilevanti e originali. Non meraviglia dunque che tocchi a Trieste, città mitteleuropea per eccellenza, di presentare in anteprima queste opere capitali del Liberty ceco.

Dalle pitture alle litografie, dai manifesti ai gioielli, dagli stupefacenti vetri alle ceramiche, dai mobili ai tessuti, dall’abbigliamento e dalla biancheria agli oggetti da tavola, la rassegna triestina vuole rievocare il mondo della Belle Epoque e di una borghesia alle prese con un progresso dirompente. Che da una parte rincorre, basti pensare all’emancipazione femminile, ai trasporti, le comunicazioni, la corrente elettrica, ma da cui vuole difendersi, combattendo l’eccesso di industrializzazione e la cultura meccanizzata di massa, con il ritorno all’industria artistica e a un artigianato di pregio. Le arti applicate ebbero infatti un ruolo centrale, divenendo una componente importante del processo di trasformazione ed elemento chiave nella riforma della vita quotidiana.

Accanto ai capolavori d’arte decorativa presentati all’Esposizione Universale di Parigi del 1900, in particolare si potranno ammirare le opere di Alphonse Mucha, uno dei più rappresentativi protagonisti dell’Art Nouveau in Europa, presente in mostra con 12 opere (saranno esposti a Trieste esempi delle innovazioni grafiche del viennese Gustav Klimt e del francese Henri de Toulouse-Lautrec). Fra queste, di grande impatto, sarà senza dubbio una parte consistente (‘L’epoca romana e l’arrivo degli slavi’) della decorazione realizzata dall’artista per la sala principale del padiglione della Bosnia-Erzegovina all’Esposizione Universale di Parigi del 1900: un acquarello e colore stemperato su tela di quasi sette metri di lunghezza per tre e mezzo di altezza che immerge il visitatore nell’epopea slava.

Fino al 7 Gennaio 2018
Castello di Miramare, Viale Miramare – Trieste
Orario: aperto tutti i giorni 9.00-19.00
Per informazioni: www.castello-miramare.it

L’esposizione presenta oltre 100 immagini che ripercorrono la carriera dell’artista statunitense David LaChapelle (Fairfield, 1963), dai primi progetti in bianco e nero degli anni novanta fino ai lavori, solo a colori, più recenti, opere divenute in gran parte iconiche e che gli hanno garantito un riconoscimento internazionale da parte di critica e pubblico.

Come grande novità, la rassegna, prima monografica di LaChapelle a Venezia, propone l’anteprima mondiale di New World, una nuova serie realizzata negli ultimi 4 anni. Sono 18 fotografie che segnano il ritorno alla figura umana e che ruotano attorno a temi come il paradiso e le rappresentazioni della gioia, della natura, dell’anima.

Osservando il percorso compiuto da LaChapelle negli ultimi 30 anni, si scopre come la sua fotografia si nutra da una parte del rapporto privilegiato con le riviste e la pubblicità, dove le icone della moda e dello star system agiscono come materia grezza per l’ispirazione, dall’altra parte della pratica creativa di esprimere la propria visione del mondo per immagini, influenzata senza dubbio dalla generazione di giovani artisti a lui coetanei, formata da Andy Warhol.

Il percorso espositivo prende avvio dagli anni novanta, quando Andy Warhol gli offre il suo primo incarico professionale fotografico per la rivista Interview. È in quel periodo che LaChapelle riflette sulle possibilità comunicative e divulgative dell’editoria, incredibilmente legate alla Pop Art.

Le sue fotografie denunciano le ossessioni contemporanee, il rapporto con il piacere, col benessere, con il superfluo e con una sfrenata esigenza di apparire. Il tutto ammantato da colori elettrici e superfici laccate, e caratterizzato dalla presenza ricorrente di un nudo sfacciato e aggressivo.
I soggetti sono le celebrità, da Michael Jackson a Hillary Clinton, da Muhammad Ali a Jeff Koons, da Madonna a Uma Thurman, da Andy Warhol a David Bowie, le cui immagini sono utilizzate come merce prodotta in serie, consapevolmente sacrificata sull’altare del sistema fondato sull’icona.

Il punto di svolta che segna il passaggio a una nuova fase della sua ricerca della sua evoluzione artistica è il viaggio a Roma del 2006. È in quest’occasione che, visitando la Cappella Sistina, rimane folgorato dagli affreschi di Michelangelo e dai fasti del potere religioso, che lo condussero ad abbracciare la monumentalità e la grandiosità del Rinascimento italiano.
Proprio il Diluvio Universale di Michelangelo gli suggerì la creazione di The Deluge (Il Diluvio), in cui i rimandi al capolavoro michelangiolesco si mescolano ai marchi della società consumistica e alla bellezza ostentata dei corpi nudi.
La mostra prosegue con After the Deluge, fotografie che mostrano una realtà in cui tutti gli oggetti e i simboli del mondo attuale vengono sommersi e Awakened, in cui ritrae persone immerse in acqua in uno stato embrionale: una sorta di resurrezione dopo il diluvio.

Dopo il 2006 LaChapelle inizia a lavorare per serie fotografiche. Benché nascano autonomamente, ciascuna di esse si lega all’altra con una evidente coerenza, in un sottile equilibrio tra sacro e sacrilego, alternando soggetti differenti sul tema condiviso della Vanitas. Infatti, se in Earth Laughs in Flowers questo motivo è trattato attraverso la bellezza dei fiori appassiti, in Still Life viene rappresentato da una serie di statue di cera distrutte dai vandali che riproducono le sembianze di alcune stelle hollywoodiane.

Nel corso della sua carriera, l’artista statunitense non ha certo trascurato il confronto con la fotografia di paesaggio, che diventa un suo ambito artistico a partire dal 2013. A Venezia saranno esposte alcune fotografie appartenenti al ciclo Gas Station and Land Scape, nelle quali ricostruisce modelli di impianti petroliferi e stazioni di rifornimento in scala, attraverso materiali riciclati, come cartoni delle uova, schede madri per computer, bigodini, cannucce e altro. Negli allestimenti più elaborati LaChapelle ha fotografato questi piccoli plastici nella foresta pluviale di Maui, nel deserto e lungo la costa californiana.
È proprio per queste sue oniriche raffigurazioni della realtà, che la critica lo ha definito “Il Fellini della Fotografia”.

La serie inedita di New World segna il ritorno di LaChapelle alla figura umana.
Il progetto, presentato in anteprima a Venezia, ha richiesto 4 anni di lavoro. I temi centrali sono il paradiso e le rappresentazioni della gioia, della natura, dell’anima, cercando la modalità per fotografarle in natura.
In questo, LaChapelle dichiara di essere stato ispirato da Odilon Redon, pittore francese di fine ‘800 – inizio ‘900, visto al Musée d’Orsay, William Blake, e, ancora una volta, Michelangelo e Michael Jackson. Altra fonte d’ispirazione, la musica di Pharell Williams e in particolare, la sua canzone “Happy”.
Con queste fotografie LaChapelle si pone come fine quello di riflettere su questioni metafisiche come il viaggio dell’anima dopo la morte, la gioia e le rappresentazioni del paradiso.

David LaChapelle è famoso a livello internazionale per il suo eccezionale talento nel combinare un’originale estetica iperrealistica con profondi messaggi sociali.
La sua carriera fotografica è iniziata negli anni Ottanta quando LaChapelle cominciò a esporre le sue opere d’arte nelle gallerie di New York.

Dopo aver frequentato la North Carolina School of Arts, si trasferì a New York dove si iscrisse alla Art Students League e alla School of Visual Arts. Grazie a mostre in galleria come 303 Gallery, Trabia McAffee e altre, il suo lavoro attirò l’attenzione di Andy Warhol, che gli offrì il suo primo incarico fotografico professionale. Le sue fotografie di personaggi famosi su “Interview” furono accolte positivamente e ben presto LaChapelle si ritrovò a fotografare per svariate testate di prestigio e a creare alcune delle campagne pubblicitarie più memorabili della sua generazione.

Dopo essersi affermato nel campo della fotografia contemporanea, LaChapelle ha ampliato il suo lavoro a comprendere la regia di video musicali, eventi teatrali dal vivo e documentari. Ha all’attivo la regia di video musicali per artisti come Christina Aguilera, Moby, Jennifer Lopez, Amy Winehouse, Britney Spears e No Doubt. Il suo lavoro per il palcoscenico comprende The Red Piano di Elton John, lo spettacolare show del Caesars Palace che ha ideato e diretto nel 2004.

Il crescente interesse per il cinema lo ha portato a realizzare il cortometraggio documentaristico Krumped, premiato al Sundance, da cui ha sviluppato il film RIZE, acquistato per la distribuzione in tutto il mondo da Lion’s Gate Films. La pellicola è uscita nelle sale degli USA e di 17 paesi diversi nell’estate del 2005 con enorme entusiasmo della critica, ed è stata scelta per aprire il Tribeca Film Festival 2005 a New York.

Negli ultimi anni LaChapelle è tornato alle origini, esponendo le sue opere in alcune delle gallerie e dei musei più prestigiosi al mondo. Hanno accolto il suo lavoro gallerie come la Paul Kasmin Gallery di New York, la Jablonka Galerie di Berlino, la Robilant + Voena Gallery di Londra e la Maruani & Noirhomme in Belgio e istituzioni come il Museo de Arte Contemporáneo in Perù, il Palazzo delle Esposizioni di Roma e Palazzo Reale a Milano, il Barbican di Londra e la Helmut Newton Foundation a Berlino.

Fino al 10 Settembre 2017
Casa dei Tre Oci, Fondamenta Zitelle 43 – Venezia
Per informazioni: www.treoci.org

Dalla disperata corsa di Dafne, che pur di sfuggire alle avance di Apollo si lasciò trasformare in un albero di alloro, al ratto della principessa Europa, ghermita da Zeus nelle sembianze di un toro bianco e trasportata tra le onde dalla città fenicia di Tiro fino a Creta.

Un raffinato itinerario si muove tra i più affascinanti miti greci, seguendo il filo rosso della metamorfosi e della seduzione.

È la mostra Amori Divini che celebra la straordinaria potenza narrativa dell’arte di Pompei e della Magna Grecia, accostandola a opere più recenti, da Baccio Bandinelli a Giambattista Tiepolo e Nicolas Poussin.

Le preziose sale del Museo Archeologico nazionale riuniscono circa 80 stupefacenti capolavori provenienti dai siti archeologici vesuviani, dal Museo di Capodimonte, dagli Uffizi, dai Musei Vaticani e dal Museo del Bargello, nonché da prestigiose istituzioni internazionali come il Louvre di Parigi, l’Ermitage di San Pietroburgo, il Paul Getty Museum di Los Angeles, il Kunsthistorisches Museum di Vienna.

Accanto ai vari manufatti antichi di soggetto mitologico – pitture parietali e vascolari, sculture in marmo e in bronzo, gemme e preziose suppellettili – per ciascun mito viene proposto un confronto con una selezione di opere di periodi più recenti.

Infatti oltre 20 opere tra dipinti e sculture, con particolare attenzione all’arte del sedicesimo e diciassettesimo secolo, illustrano i momenti fondamentali della ricezione moderna del mito e ne mettono in luce evoluzioni, modifiche e ampliamenti. Artisti quali Baccio Bandinelli, Bartolomeo Ammannati, Nicolas Poussin, Giambattista Tiepolo e molti altri ancora permettono non solo di seguire la fortuna del mito greco fino ad epoche a noi più vicine, ma anche di comprendere il ruolo che, in questa tradizione, giocano le fonti letterarie ed iconografiche antiche.

Fino al 16 Ottobre 2017
Museo Archeologico Nazionale, p.zza del Museo Nazionale 19 – Napoli
Orario: aperto tutti i giorni 9 – 19.30; chiuso il martedì
Per informazioni: www.museoarcheologiconapoli.it

La mostra prende in esame esclusivamente le opere e le immagini dedicate alla corrida, realizzate da Pablo Picasso (1881-1973) in età giovanile, comparate con le composizioni mitologiche e biografiche degli anni Trenta.

I quadri esposti coprono un ampio arco temporale che va dal 1881 fino al 1971 ed analizzano il forte interesse e l’impegno costante dell’artista nel rappresentare antichi rituali, narrazioni e miti della Spagna e, in generale, dell’area del bacino del Mediterraneo. Sin da giovane Picasso fu attratto dalle opere scultoree degli antichi popoli iberici e dalle statue classiche (soprattutto greche): la nuova moda degli oggetti in legno e in pietra che affluivano dalle regioni dell’Africa e del Mediterraneo, portarono l’artista a contatto con una creatività vitale e con una descrizione magica e rituale dell’individuo.

Tutta la vita di Picasso può essere considerata come un grande laboratorio di idee e di tecniche: sperimenta la pittura, la scultura, l’incisione, il collage, la scenografia teatrale. La storia, con i suoi eventi drammatici (le due Guerre Mondiali, la guerra in Spagna) segna fortemente il suo linguaggio. Picasso esprime con ironia, dolore e gioia tutte le sollecitazioni che provengono dal mondo, seguendo sempre le veloci trasformazioni del suo tempo e rifiutando di identificarsi con una sola corrente artistica. Pur essendo uno dei modernisti più innovativi della storia, Picasso è sempre stato fortemente legato alla sua terra, alle tradizioni, ai miti e alla storia della Spagna. Nato a Malaga, nel profondo sud dell’Andalusia, sin da adolescente si appassionò fortemente alla drammatica bellezza della corrida: matadores, picadores, cavalli e tori divennero soggetti preferiti e ricorrenti delle rappresentazioni pittoriche nel corso di tutta la sua lunga carriera, dai disegni della prima infanzia fino ai quadri finali. Intorno al 1930, in un momento di crisi esistenziale e forti turbamenti, Picasso cominciò a creare opere narrative caratterizzate da elementi allusivi, simbolici e celebrativi di chiara interpretazione surrealista: a questa fase risalgono i lavori in cui gli elementi teatrali del combattimento della corrida si fondono con i principi dei miti dell’antichità. La sintesi del mito del Minotauro, il culto spagnolo del toro e i dettagli intimi della sua vita privata lo portano alla creazione di bellissimi libri illustrati, poesie, scenografie, sculture, ceramiche, tra cui ricordiamo le celebri stampe Vollard Suite, capolavori come La Minotauromachie (1935) e soprattutto Guernica (1937). Quando Picasso, dopo la Seconda Guerra Mondiale, tornò a vivere sulle sponde del Mediterraneo, tutti i suoi lavori continuarono (fino alla morte) ad essere intrisi di quel misto fatale tra la mitologia classica e l’arte della corrida. Le raffigurazioni di Picasso di Minotauri e Matador forniscono utili chiavi di lettura per un’indagine biografica e scientifica dell’opera dell’artista; questa mostra si propone proprio di esaminare gli intenti, i significati e i simboli allusivi usati dall’artista, presentando nuove interpretazioni su alcuni dei miti e dei mostri rappresentati nelle sue opere.

La mostra si articola attraverso un percorso espositivo composto da circa 50 opere, tra dipinti, disegni, stampe, sculture, ceramiche, tessuti e un filmato realizzato da Picasso nel 1929.

Fino al 25 Agosto 2017
Gagosian Gallery, 20 Grosvenor Hill – Londra
Orario: dal martedì al sabato dalle 10.00 alle 18.00
Per informazioni: www.gagosian.com

L’esuberanza dei manga giapponesi firmati dall’artista Takashi Murakami, definito da Time il più influente rappresentante della cultura nipponica, sbarca a Capri.

In mostra circa venti serigrafie che raccontano il percorso creativo dell’artista in cui si fonde la pittura giapponese tradizionale e la cultura pop, il fenomeno Otaku – il mito tutto nipponico dell’adolescenza – e la sua personale estetica Superflat.

Completa e contestualizza la mostra un nucleo di opere di giovani esponenti del pop giapponese il cui stile si ispira a quello del maestro nipponico.

Pupazzi, buffe caricature, fiori e disegni che sembrano cartoni animati, jellyfish eyes, colori brillanti: questi i tratti caratteristici delle opere di Murakami, artista capace di ascoltare e dare voce alle subculture del Sol Levante.

Cresciuto in una società profondamente segnata dalle conseguenze dell’attacco atomico su Hiroshima e Nagasaki – il suo mondo seppur colorato e vivace sembra essere sempre imperniato sui temi della distruzione e della morte – si discosta presto dai canoni dell’arte tradizionale per guardare al panorama degli Otaku (termine che indica il fenomeno degli appassionati in modo ossessivo di manga e anime) e dei Kawaii (carino, amorevole), espressione dei turbamenti, delle ossessioni e delle perversioni dei giapponesi nel dopoguerra.

Questa subcultura dall’immaginario consumista e feticista secondo Murakami ha saputo recuperare un segno distintivo dell’arte giapponese antica: la tradizionale bidimensionalità del periodo Edo. Dall’unione tra la bidimensionalità e l’iconografia manga, Murakami sviluppa il suo manifesto programmatico, l’estetica del Superflat (super piatto): un singolare “effetto piatto” in cui una serie di elementi cancella qualsiasi prospettiva ed ogni possibile interstizio, obbligando l’osservatore ad uno sguardo fisso e straniato.

Sulla scia della comune ispirazione alla cultura e all’iconografia di massa, Murakami è accostato all’icona Pop per eccellenza, Andy Warhol. Come il suo predecessore statunitense, l’artista giapponese capisce che l’arte può trasformarsi in business, e nel 1996 fonda la Hiropon Factory, oggi Kaikai Kiki Co. Ltd. È questa la sua vera creatura in cui concretizza la sua personale Filosofia del Lavoro: perfezionismo, disciplina, rigore sono finalizzate ad un’attività instancabile che lo porta a traguardi sempre più ambiziosi e a guadagni sempre più alti. Realizza cifre da capogiro sperimentando ambiti e tecniche diversissimi tra loro e captando tendenze ancora inespresse, ma vive come un monaco senza consumare nulla per sé, per continuare ad investire nella sua factory.

Sono molte le collaborazioni con noti personaggi del jet set internazionale: nel 2003, con lo stilista Marc Jacobs disegna per Louis Vuitton la borsa Cherry Blossom; nel 2008 lavora con Pharrel Williams all’opera The Simple Things; nel 2009 cura la produzione di un video musicale con Kirsten Dunst; calamite, poster, peluche, custodie per smartphone e ogni altro genere di gadget firmato da Murakami viene commercializzato con successo in gran parte del mondo annullando la differenza tra arte “alta” e arte “bassa”.

Fino al 31 Agosto 2017
AICA Andrea Ingenito Contemporary Art, via le Botteghe 56 – Capri (NA)
Per informazioni: www.ai-ca.com

E’ una tradizione che continua ininterrottamente dal 1769: ogni anno, anche durante le due guerre mondiali, la Royal Academy of Arts di Londra ha organizzato la Summer Exhibition, una grande mostra che era e resta il più grande show di arte contemporanea al mondo, con circa 1.200 opere.
L’obiettivo della mostra, oggi come nel 1769, è di accostare alle opere di artisti celebri e membri dell’Accademia quelle di giovani, studenti e talenti emergenti. Chiunque può presentare un’opera realizzata con qualsiasi mezzo agli organizzatori, che poi fanno una spietata selezione. Tra i primi espositori del XVIII secolo, ritroviamo pittori del calibro di Reynolds, Constable e Turner.

La mostra si sviluppa secondo un percorso artistico ben definito, incentrato su temi differenti che tengono conto sia delle speculazioni filosofiche che degli aspetti meramente pratici e tecnici. E’ allestita in dieci ampie sale della storica dimora settecentesca nelle quali sono esposte opere d’arte provenienti da tutto il mondo: un’ampia panoramica sull’arte contemporanea in tutte le sue possibili espressioni, una miscela incredibile di stili, tecniche, temi e colori.
Le opere in mostra sono tutte in vendita, a prezzi che vanno dalle 150 sterline a diversi milioni di sterline, e il ricavato va a finanziare i corsi di insegnamento per gli studenti della Royal Academy.
Fino al 20 Agosto 2017
Royal Academy of Arts, Burlington House, Piccadilly – Londra
Per informazioni: www.royalacademy.org.uk