Archivi categoria: AGENDA

La poesia, la sperimentazione sui materiali, il rapporto con il mondo visibile e l’invisibile: mentre a Maiorca riapre lo studio dell’artista, il MoMA a New York presenta questa mostra che, attingendo in buona parte dalle collezioni del museo, esplora lo sviluppo dell’universo figurativo del pittore catalano.

Si comincia con il monumentale “Nascita del Mondo” del 1925, “una sorta di genesi” come lo definì lui stesso, e poi a seguire 60 tra dipinti, opere su carta, libri illustrati, oggetti di ceramica realizzati tra 1920, l’anno del primo viaggio a Parigi, e l’inizio degli anni ’50, quando il suo linguaggio creativo lo rese celebre nel mondo.

Il MoMA ha una delle raccolte più complete di opere di Miró. Nascita del Mondo è entrato nelle collezioni del museo nel ’72 in parte come dono dell’artista.

Intanto a Palma di Maiorca ha riaperto il Sert, lo studio museo dove Miró aveva vissuto e lavorato per quasi 30 anni e che aveva donato alla città due anni prima di morire.

Fino al 15 Giugno 2019
The Museum of Modern Art, 11 West 53 Street – New York
Per informazioni: www.moma.org

Sono 94 gli artisti coinvolti e 150 le opere raccolte per questa grande mostra: Hayez, Signorini, Fattori, Pellizza  da Volpedo, Boldini, Corcos, Segantini. È l’occasione per ammirare opere raramente viste in pubblico negli ultimi decenni o addirittura inedite di conclamati grandi artisti italiani: l’esposizione rappresenta un grande momento di riflessione sul ruolo che ha avuto l’arte e quale sia stata la funzione degli artisti nella costruzione dell’identità della nazione italiana.

In quel mezzo secolo che va dall’Unità d’Italia alla Prima guerra mondiale, un periodo non troppo messo a fuoco dal punto di vista artistico, l’Italia è completamente cambiata e gli artisti sono riusciti a loro modo a registrare e a raccontare e a volte anche ad anticipare il cambiamento. Una mostra dunque inedita e sorprendente, che può essere vista davvero come la messa a fuoco della fotografia del Paese Italia, il racconto di una autobiografia della nazione appena nata.

Nei piccoli ritratti, nelle grandi tele e nelle sculture, ritroviamo infatti, ma senza alcuna retorica, la rappresentazione di momenti gloriosi del Risorgimento italiano, battaglie, protagonisti, episodi (dai bersaglieri a Porta Pia alla battaglia di Magenta, a Garibaldi ferito sull’Aspromonte).

Ma poi ci sono i ritratti, soprattutto quelli femminili, che rimandano a qual breve periodo della vita felice che è passato sotto il nome di Belle Epoque e che ha preceduto la Prima guerra mondiale. Non mancano però neanche i quadri e le opere che ricordano e denunciano le condizioni precarie, faticose o disperate in cui si trovano le classi subalterne in quell’ultimo scorcio di ‘800.

Da ammirare inoltre la straordinaria galleria di paesaggi italiani che rappresentavano quell’immenso e variegato patrimonio ambientale tante volte sognato e poi realizzato come irresistibile motivazione dai viaggiatori internazionali del Grand Tour, che è stato il primo fertile seme dello sviluppo del turismo in Italia.

Fino al 16 Giugno 2019
Musei San Domenico, Piazza Guido da Montefeltro – Forlì
Orario: da martedì a venerdì: 9.30 – 19; sabato, domenica, giorni festivi: 9.30 – 20. Lunedì chiuso. 22 e 29 aprile: apertura straordinaria.
Per informazioni: http://mostraottocento.eu

Per cinque giorni Umbria Jazz trasforma Terni nella capitale italiana della Black music. Si apre il 18 aprile la terza edizione Spring della manifestazione, quest’anno interamente dedicata a Gospel, Soul, Blues e Jazz: tra i protagonisti la clarinettista Anat Cohen, Roosvelt Collier e i Quintorigo, ma anche Thornetta Davis, Licaones e The New Orleans mystics. Ma sono oltre cento gli artisti segnati nel cartellone.

Complessivamente una sessantina gli eventi di scena a Terni, gran parte dei quali gratuiti, mentre per i concerti a pagamento in programma al Teatro Secci il prezzo del biglietto è stato fissato a 10 euro, inclusa la prevendita: tra le location di UJ Spring anche i club riservati ai concerti jazz, mentre il gospel accenderà la chiesa di San Francesco col Virginia State Gospel Choir, che nel 1997 cantò in Vaticano per il Papa insieme alla leggenda del blues B.B. King.

Infine al Secci vibrazioni blues, soul e tutte le proposte artistiche più trasversali del cartellone che comprende, immancabilmente, anche la marching band: per le strade di Terni torna l’energia della Funk Off.

PROGRAMMA COMPLETO

La mostra illustra un periodo molto concentrato nel tempo, tra il 1900 e il 1906, definito dai critici come il periodo rosa e blu di un Picasso giovanissimo, tra i 19 e i 25 anni di età. È la prima volta che tanti quadri e sculture (sono 75 le opere esposte!) di quella fase del percorso di Picasso (Malaga, 25 ottobre 1881 – Mougins, 8 aprile 1973), considerato fondamentale per lo sviluppo artistico del capofila mondiale delle avanguardie novecentesche, vengono riuniti tutti insieme.

Tra il 1900 e il 1906 Picasso si muove tra Barcellona e Parigi e le sue opere si concentrano soprattutto sul ritratto. Nella prima fase, dominata dall’uso del colore azzurro, Picasso mette a fuoco la povertà e la realtà miserevole dei reietti della società; poi, stabilitosi a Parigi, entra nel periodo rosa e sembra conferire dignità artistiche alle speranze dei suoi soggetti preferiti, personaggi circensi, saltimbanchi, acrobati, arlecchini.

Nelle ultime fasi di questo periodo si nota, soprattutto nella scelta dei nudi femminili, l’esaltazione dell’amore e la sessualità, ma anche il destino e la morte. Si alternano nelle tele di Picasso emozioni, felicità e gioia accanto a solitudine e malinconia. Siamo alla vigilia del celeberrimo periodo cubista che esploderà a partire dal 1907.

L’occasione di ammirare i lavori del “Giovane Picasso” è davvero rara. Le opere infatti arrivano da tutto il mondo: dall’Europa e dagli Stati Uniti, dal Canada, Russia, Cina e Giappone; prestatori musei famosi come il museo Picasso di Parigi, il Metropolitan di New York, la Tate di Londra, la National Gallery di Washington, il Reina Sofia di Madrid, il museo di Osaka, il museo di arti di Mosca, l’Art Gallery di Ontario, Canada. Ma sono in mostra anche molte opere che provengono da gallerie e collezioni private e quindi molto raramente visibili in un evento pubblico.

Fino al 26 Maggio 2019
Fondazione Beyeler, Baselstrasse 101 – Basilea (Svizzera)
Orario: aperta tutti i giorni dalle 10 alle 18, il mercoledì fino alle 20
Per informazioni: www.fondationbeyeler.ch/en/picasso/

Una mostra totalmente dedicata alla relazione tra uno dei più grandi artisti dell 800, Giovanni Boldini (Ferrara 1842 – Parigi 1931) e la moda, in particolare il sistema dell’alta moda parigina. Un binomio elegante sarà esposto negli spazi del palazzo ferrarese in sezioni tematiche, ognuna di esse patrocinata da letterati che cantano la grandezza della moda, vista come vera e propria forma d’arte, da Baudelaire a Wilde, da Proust a D’Annunzio.

Preziosi e magnifici abiti d’epoca, dipinti unici e caratterizzanti la poetica artistica di Boldini saranno i protagonisti del percorso, volto a raccontare i rapporti tra arte, moda e letteratura durante la Belle Epoque, periodo storico e socio culturale che va dagli ultimi vent’anni dell’Ottocento fino all’inizio della prima guerra mondiale.

La mostra racconterà per la prima volta la storia di questo legame unico che lo portò ad essere definito come “Colui che sapeva riprodurre la sensazione folgorante che le donne sentivano di suscitare quand’erano viste nei loro momenti migliori”. Così lo definisce Cecil Beaton, tra i più celebri fotografi di moda del novecento. Femminilità sempre seducente senza cadere in volgarità, classe, raffinatezza e cura dei particolari.

Così il pittore ferrarese ritrae la voluttuosa eleganza delle élite cosmopolite del tempo, ne celebra ambizioni, sguardi, abiti di seta e di tulle ed il loro narcisismo, raffinato e del tutto spontaneo. La vitalità e il romanticismo della Belle Epoque trovano vita nei ritratti e dipinti dell’artista con i suoi dipinti dal fascino vaporoso. La moda riveste un ruolo essenziale essendo la sua Parigi dell’epoca un vero e proprio polo dell’eleganza e della modernità. Si avverte un vero e proprio cambiamento rispetto al passato, ormai dimenticato. E’ il periodo delle linee sciolte, dei merletti, degli abiti elaborati e innovativi anche dal punto di vista tecnico, si ricercano tessuti con cura e passione poiché l’abito è segno di distinzione ed elemento cruciale del periodo.

Giovanni Boldini si distingue fin da ragazzino quando si specializza a riprodurre alcuni dipinti di Raffaello e frequenta, all’età di 16 anni, dei corsi di pittura da Gerolamo Domenichini a Ferrara. Nel 1862 inizia un importante percorso di studi all’accademia belle arti di Firenze dove frequenta il celebre Caffè Michelangelo ed entra in contatto con i Macchiaioli. Vive tra Parigi, dove va a vedere nel 1867 l’Esposizione Universale e le opere di Courbet e Londra, dove vive e lavora in uno studio nel cuore della città. L’esperienza gli permette di entrare nei buoni salotti europei, fino a divenire uno dei più stimati e richiesti ritrattisti. Nel 1872 si trasferisce definitivamente nella capitale Parigina. Un amore reciproco quello tra l’artista e i soggetti che ritraeva, entusiasti della sua bravura e del modo in cui si rapportava a loro. Boldini rimane folgorato piacevolmente dalla vita mondana parigina, dal suo sfarzo e dalla frivolezza che la caratterizzava immergendosi a pieno nell’epoca. Le donne sono le vere protagoniste e ne trapela, dalle sue tele, una profonda attenzione al loro sguardo diretto, libero e rivolto con autorevolezza verso lo spettatore.

Fino al 2 Giugno 2019
Palazzo dei Diamanti, Corso Ercole I d’Este, 21 – Ferrara
Per informazioni: www.palazzodiamanti.it

Il pittore francese Pierre Bonnard (Fontenay-aux-Roses, 3 ottobre 1867 – Le Cannet, 23 gennaio 1947) fu, con Henri Matisse, uno dei più grandi ‘artisti del colore’ del XX secolo. Preferiva lavorare partendo dalla memoria, catturando immaginariamente lo spirito di un momento ed esprimendolo attraverso l’esclusiva manipolazione del colore e l’innovativo senso compositivo. All’inizio della sua carriera, Bonnard fu molto vicino ai movimenti del Realismo e dal Naturalismo impressionista; successivamente si avvicinò alla pittura simbolista ma anche alle arti applicate, sviluppando uno stile essenzialmente decorativo, in cui le linee creano un complesso reticolo di arabeschi e di macchie dai colori vivaci. Il linguaggio pittorico di Bonnard tuttavia è totalmente diverso da quello delle avanguardie storiche rappresentate dai suoi coetanei Matisse e Kandinskij: sulla scia dei grandi esponenti dell’Impressionismo, Bonnard dichiara in uno scritto di voler proseguire e sviluppare la loro ricerca per «superarli nelle loro impressioni naturalistiche del colore».

L’intento della mostra, che riunisce per la prima volta 100 opere dell’artista provenienti da collezioni pubbliche e private in tutto il mondo, è quello di far esplorare e far conoscere al pubblico il modo in cui i colori intensi e le composizioni moderne di Bonnard abbiano trasformato la pittura nella prima metà del XX secolo; nello stesso tempo vogliono celebrare la sua impareggiabile capacità di catturare momenti fugaci, ricordi ed emozioni sulla tela. Bonnard costruiva i suoi vivaci paesaggi e le intime scene domestiche affidandosi esclusivamente alla memoria. I suoi dipinti, al tempo stesso sensuali e malinconici, esprimono momenti che si sono persi nel tempo: la vista da una finestra, uno sguardo rubato a un amante, o una stanza vuota alla fine di un pasto.

Una mostra imperdibile che offre chiavi di lettura alternative rispetto alla biografia ufficiale dell’artista, gettando uno sguardo nuovo sulla sua produzione artistica e sul suo rapporto, poco convenzionale, con il colore.

Fino al 6 Maggio 2019
Tate Modern, Bankside – Londra
Per informazioni: www.tate.org.uk

E’ in corso a Napoli una mostra significativa per la città partenopea, dove Escher fece tappa durante il suo viaggio – avvenuto nella primavera del 1923 – lungo la Costiera Amalfitana fino a Ravello. Un tour lungo la penisola che lo segna profondamente anche a livello personale: in Campania conoscerà infatti la giovane svizzera Jetta Umiker che, l’anno dopo, diventerà sua moglie. A far da cornice ai due sposi in una foto storica, una veduta mozzafiato dall’alto di Atrani con la sua chiesa che troneggia su uno sperone a strapiombo sul mare. Una chiesa che è un motivo ricorrente nelle opere di Escher tanto da trovarsi anche alla fine della famosa Metamorfosi II.

Oltre alle opere del visionario genio olandese, amatissimo dal grande pubblico, la mostra presenta anche un’ampia sezione dedicata all’influenza che il suo lavoro e le sue creazioni hanno esercitato sulle generazioni successive, dai dischi ai fumetti, dalla pubblicità al cinema: un percorso di circa 200 opere che parte da Escher per arrivare ai giorni nostri.

Animali che si rincorrono e inseguono fuori e dentro al foglio, mani che si disegnano da sole, geometrie impossibili, prospettive incredibili, quadrati che diventano pesci che diventano uccelli che diventano uomini che tornano quadrati. Sono i temi, i soggetti più ricorrenti nei disegni di Escher, straordinario artista che ha fatto della capacità di stupirsi la base della sua creatività.

Maurits Cornelis Escher nacque a Leeuwarden, in Olanda, il 17 giugno 1898. Era un bambino timido, chiuso, e a scuola era uno studente mediocre, tanto che fu anche bocciato in seconda elementare. C’era una sola materia in cui eccelleva: il disegno.

Terminati gli studi, Escher iniziò a viaggiare, soprattutto in Italia. Arte e architettura del Mediterraneo e in particolare di Granada, in Spagna, saranno determinanti nell’evoluzione della sua creatività.

Vivendo in Italia tra gli anni Venti e Trenta del secolo scorso, non potè non subire il clima politico italiano. Nel 1935, per non vedere il figlio George diventare un Piccolo Balilla, come prevedeva la prassi fascista, lasciò l’Italia e si trasferì prima in Svizzera, e poi in Belgio, infine in Olanda, dove sarebbe vissuto dopo la guerra e fino alla sua morte, il 27 marzo 1972.

Fino al 22 Aprile 2019
Palazzo delle arti, Via dei Mille 60 – Napoli
Per informazioni: www.mostraescher.it

Nel 2019 ricorrono i 350 anni dalla morte di Rembrandt van Rijn (Leida, 15 luglio 1606 – Amsterdam, 4 ottobre 1669). Nel corso dell’anno in tutto il paese si svolgeranno mostre ed eventi volti a celebrare le imprese straordinarie di questo artista e il prezioso retaggio che ci ha lasciato, nonché il prospero periodo in cui ha lavorato: il Secolo d’oro olandese. Da Middelburg e Dordrecht, nel sud, a Delft e L’Aia fino a raggiungere Leida, città natale di Rembrandt, diverse mostre e collezioni museali illustreranno la meraviglia e la ricchezza di quell’epoca. Ma non finisce qui, infatti c’è molto di più da vedere a Haarlem, Amsterdam, Hoorn ed Enkhuizen, per comprendere come il suddetto periodo abbia fortemente stimolato il progresso. Queste nove importanti e a quel tempo fiorenti città fungeranno da sedi principali di una serie di esposizioni ed eventi affascinanti che avranno luogo nel 2019 in tutta l’Olanda.

Nel corso del 2019 i visitatori potranno approfittare di una serie di mostre affascinanti, istruttive e al contempo sorprendenti, per approfondire la conoscenza di Rembrandt e del Secolo d’oro. Ad esempio, il Museum de Lakenhal di Leida, recentemente ristrutturato, ospiterà l’esposizione “Il giovane Rembrandt” che illustra l’evoluzione del talento dell’artista. Saranno visibili opere concesse in prestito da collezioni nazionali e internazionali, molte delle quali mai esposte in precedenza. Per la prima volta il Rijksmuseum di Amsterdam presenterà la sua collezione completa di dipinti, stampe e disegni realizzati da Rembrandt, unitamente a una mostra speciale intitolata “Rembrandt-Velázquez”, che mette a confronto il Secolo d’oro olandese e quello spagnolo.

Scopri di più sulle importanti e vaste mostre incentrate su Rembrandt e il Secolo d’oro che avranno luogo nel 2019 e pianifica le tue visite: www.holland.com/it/turismo/scopri-lolanda/rembrandt-e-il-secolo-doro/mostre.htm